Die Kunst der Renaissancezeit in Europa (1400–1600 n. Chr.) umfasst einige der bekanntesten und beliebtesten Gemälde und Skulpturen der Welt. Die Meister waren oft sowohl in der Malerei als auch in der Bildhauerei bewandert. Durch das Studium der Kunst der Antike und das Einbringen ihrer theoretischen Kenntnisse der mathematischen Perspektive und neuer Maltechniken schufen sie wirklich einzigartige Kunstwerke. Realismus, Detailtreue, Dramatik und subtile Bedeutungsebenen wurden zu Merkmalen der religiösen und weltlichen Kunst. Künstler lösten sich nun endgültig von ihrem alten Status als Handwerker und erlangten eine neue Position als Beitragende zur Kultur und zum Prestige der Gesellschaften, in denen sie lebten.
Zu den charakteristischen Merkmalen der Kunst der Renaissance gehören:
- das Interesse, die wesentlichen Elemente der klassischen Kunst, insbesondere die Form und die Proportionen des menschlichen Körpers, zu erfassen.
- ein Interesse an der Geschichte der zeitgenössischen Kunst und an einer kontinuierlichen Entwicklung.
- die Vermischung von heidnischer und religiöser Ikonographie, wobei der Mensch im Mittelpunkt steht.
- eine Tendenz zu Monumentalität und dramatischen Körperhaltungen.
- das Interesse, beim Betrachter eine emotionale Reaktion hervorzurufen.
- die Entwicklung einer präzisen mathematischen Perspektive.
- ein Interesse an hyperrealistischen und detaillierten Porträts, Szenen und Landschaften.
- das Interesse an der Verwendung von leuchtenden Farben, Schattierungen und dem Einfangen von Lichteffekten
- die Entwicklung in der Verwendung von Ölfarben und feinen Drucken.
- die Verwendung von subtilen Formen und alltäglichen Gegenständen, um zusätzliche Bedeutung zu verleihen.
- das steigende Ansehen der Künstler als außergewöhnliche Handwerker, die intellektuelle Studien mit praktischen Fertigkeiten verbanden.
Mittelalterliche Ursprünge
Früher glaubte man, die Kunst der Renaissance sei in einer wundersamen Wiedergeburt von Ideen und Talenten aus dem Nichts entstanden, doch Untersuchungen moderner Historiker haben ergeben, dass mit vielen Elementen der Renaissancekunst bereits im 14. Jahrhundert n. Chr. experimentiert wurde. Künstler wie Giotto (gest. 1337 n. Chr.) waren bestrebt, ihre Gemälde realistischer zu gestalten, und setzten daher perspektivische Verkürzung ein, um einer Szene ein Gefühl von Tiefe zu verleihen. Giottos Einsatz von Verkürzung, Licht und Schatten, Emotionen und einer dynamischen Auswahl von Szenen ist am besten in seinen religiösen Fresken in der Scrovegni-Kapelle in Padua (um 1315 n. Chr.) zu erkennen. Diese Techniken und die Tatsache, dass es dem Künstler gelang, die Figuren zum Leben zu erwecken, hatten einen enormen Einfluss auf spätere Künstler. Aus diesem Grund wird Giotto oft als der „erste Maler der Renaissance“ bezeichnet, auch wenn er vor der eigentlichen Renaissance lebte.
Wohlhabende Mäzene waren die treibende Kraft hinter der Kunst der Renaissance in einer Zeit, in der die überwiegende Mehrheit der künstlerischen Werke auf Bestellung entstand. In der ersten Zeit der Renaissance waren die Kirchen die üblichen Nutznießer dieses Systems. Gemalte Tafeln für Altarbilder und Fresken waren die häufigste Form der künstlerischen Ausschmückung. Sie zeigten häufig die Sacra Conversazione, d. h. die Jungfrau mit dem Kind, umgeben von Heiligen und Wohlgesinnten. Monumentale, mehrere Meter hohe Altarbilder wurden oft kunstvoll gerahmt, um die zeitgenössischen Entwicklungen in der Architektur nachzuahmen. Das berühmteste Altarbild ist das Genter Altarbild von Jan van Eyck (ca. 1390–1441 n. Chr.) aus dem Jahr 1432. Die Themen der Frührenaissance ähneln also sehr stark denen, die im Mittelalter beliebt waren.
Private Mäzene wie Päpste, Kaiser des Heiligen Römischen Reiches, Könige und Herzöge sahen alle den Nutzen darin, ihre Städte und Paläste zu verschönern, aber sie waren auch sehr daran interessiert, sich einen Ruf der Frömmigkeit und der Kenntnis von Kunst und Geschichte zu erwerben. Wenn ein Mäzen einen Künstler gefunden hatte, der ihm gefiel, stellte er ihn oft langfristig als offiziellen Hofkünstler ein und beauftragte ihn mit allen möglichen Aufgaben, von Porträts bis zur Gestaltung von Livree. Da die Mäzene zahlten, stellten sie oft spezifische Anforderungen an die Details eines Kunstwerks. Auch wenn ein Künstler seine Fähigkeiten und seine Fantasie einsetzen konnte, musste er sich doch an die Konventionen halten, da die Figuren in seinen Werken erkennbar sein mussten. Es war zum Beispiel nicht sinnvoll, ein Fresko aus dem Leben eines Heiligen anzufertigen, wenn niemand wusste, wer dieser Heilige war. Aus diesem Grund verlief die Entwicklung in der Kunst relativ langsam, aber als einige Künstler großen Ruhm erlangten, konnten sie neue Ideen entwickeln und ihre Kunst von der vorherigen abheben.
Das klassische Revival
Ein charakteristisches Merkmal der Renaissance war das neue Interesse an der griechischen und römischen Antike. Im Rahmen dessen, was wir heute als Renaissance-Humanismus bezeichnen, wurden die klassische Literatur, Architektur und Kunst herangezogen, um Ideen zu gewinnen, die für die zeitgenössische Welt umgewandelt werden konnten. Lorenzo de’ Medici (1449–1492 n. Chr.), das Oberhaupt der großen Florentiner Familie, war ein bedeutender Mäzen, und seine Sammlung antiker Kunstwerke diente vielen Künstlern als Studienobjekt. Junge Künstler, die in den Werkstätten etablierter Meister ausgebildet wurden, hatten dort ebenfalls Zugang zu antiker Kunst oder zumindest zu Reproduktionszeichnungen.
Künstler ahmten klassische Kunstwerke oder Teile davon in ihren eigenen Werken direkt nach. So schuf Michelangelo (1475–1564 n. Chr.) 1496 n. Chr. den schlafenden Amor (heute verschollen), den er absichtlich altern ließ, um ihn als authentisches antikes Werk erscheinen zu lassen. Eine weitere Nachbildung der Antike, dieses Mal eine völlig imaginäre, ist das Fresko Die Schule von Athen von Raffael (1483–1520 n. Chr.). Das 1511 n. Chr. vollendete Fresko im Vatikan zeigt alle bedeutenden Denker der antiken Welt. Besonders beliebt waren gängige Bilder aus der klassischen Mythologie. Diese wurden neu interpretiert und haben in einigen Fällen sogar die antike Kunst in unseren Köpfen verdrängt, wenn wir an bestimmte Themen denken. Die Geburt der Venus (um 1484 n. Chr., Uffizien, Florenz) von Sandro Botticelli (1445–1510 n. Chr.) ist ein solches Beispiel. Schließlich war noch die Darstellung antiker Architektur und Ruinen eine besondere Vorliebe vieler Künstler der Renaissance, um ihren mythologischen und religiösen Werken eine besondere Atmosphäre zu verleihen.
Der gestiegene Status der Künstler
Eine weitere neue Entwicklung war das Interesse daran, die Kunstgeschichte zu rekonstruieren und zu katalogisieren, wer genau die bedeutenden Künstler waren und warum. Der berühmteste Gelehrte, der eine solche Geschichte zusammenstellte, war Giorgio Vasari (1511–1574 n. Chr.) in seinem Werk Lebensläufe der berühmtesten Maler, Bildhauer und Architekten (1550 n. Chr., überarbeitet 1568 n. Chr.). Es handelt sich dabei um eine monumentale Aufzeichnung der Künstler der Renaissance, ihrer Werke und der mit ihnen verbundenen anekdotischen Geschichten, und so gilt Vasari als einer der Pioniere der Kunstgeschichte. Künstler profitierten auch davon, dass spezielle Biografien über ihr Leben und ihre Werke verfasst wurden, selbst als sie noch lebten, wie z. B. das 1553 n. Chr. von Ascanio Condivi (1525–1574 n. Chr.) verfasste Leben des Michelangelo. Künstler schrieben auch Texte über Techniken zum Nutzen anderer. Der früheste sind die Denkwürdigkeiten von Lorenzo Ghiberti (1378–1455 n. Chr.), die um 1450 n. Chr. geschrieben wurde. Da sie Einzelheiten zu Ghibertis eigenem Leben und Werk enthalten, handelt es sich auch um die erste Autobiografie eines europäischen Künstlers.
Dieses Interesse an den Künstlern der Renaissance, an ihrem Privatleben und daran, wie sie zu ihren Meisterwerken kamen, spiegelt den hohen Status wider, den sie nun genossen. Künstler wurden immer noch als Handwerker wie Schuster und Zimmerleute angesehen, und sie waren gezwungen, einer Handwerkszunft beizutreten. Dies begann sich in der Renaissance zu ändern. Künstler unterschieden sich offensichtlich von anderen Handwerkern, da sie mit ihren Werken weithin bekannt werden konnten und bei ihren Mitbürgern ein Gefühl des Bürgerstolzes auslösten. Es waren jedoch die intellektuellen Bemühungen von Malern wie Leonardo da Vinci (1452–1519 n. Chr.) und Albrecht Dürer (1471–1528 n. Chr.), die die Maler schließlich in den Status von „Künstlern“ erhoben, eine Bezeichnung, die zuvor auf diejenigen beschränkt war, die die traditionellen freien Künste wie Latein und Rhetorik studierten. Die Künstler beschäftigten sich intensiv mit der Kunstgeschichte und den Entwicklungen in der Kunstwelt, schrieben Abhandlungen über ihr Handwerk und experimentierten mit der mathematischen Perspektive. All dies erhob die Kunst zu einer Wissenschaft.
Ein weiteres charakteristisches Merkmal der Künstler der Renaissance, insbesondere der Hochrenaissance (1490–1527 n. Chr.), ist ihre außergewöhnliche Beherrschung einer Vielzahl von Medien. Persönlichkeiten wie Michelangelo und Leonardo waren ebenso versierte Maler wie Bildhauer, und beide wandten sich, wie viele andere Meister, auch der Architektur zu. Diese erfolgreichen Meister unterhielten große Werkstätten, in denen die nächste Generation von Künstlern ausgebildet wurde.
Ein größeres Vertrauen in die eigenen Fähigkeiten, das eigene Wissen und den eigenen Beitrag zur Kultur im Allgemeinen zeigt sich in der zunehmenden Zahl von Künstlern, die sich selbst porträtierten. Ein weiteres Symptom war die häufige Signierung von Kunstwerken, manchmal an sehr prominenten Stellen des Bildes (auch wenn die Assistenten in der Werkstatt eines Meisters die Werke häufig fertigstellten).
A Gallery of 50 Renaissance Paintings
Malerei und neue Techniken
Die Maler der Renaissance waren vielseitig und experimentierten oft, aber im Allgemeinen verwendeten sie im Laufe der Renaissance die Freskotechnik für Wände, Tempera für Tafeln und Öl für Tafeln oder Leinwand. Die Freskomalerei – das Malen auf feuchtem Kalkputz – und die Temperamalerei – die Verwendung von mit Eigelb vermischten Pigmenten – waren beides Techniken, die schon lange vor der Renaissancezeit angewandt wurden. Man experimentierte jedoch mit Ölfarben (mit Lein- oder Walnussöl vermischte Pigmente), die sattere Farben, eine breitere Palette von Farbtönen und mehr Tiefe als die traditionellen Farben lieferten. Ölfarben ermöglichten es, mehr Details in den Gemälden darzustellen und Pinselstriche zu einem visuellen Effekt werden zu lassen. Gegen Ende des 15. Jahrhunderts verwendeten die meisten bedeutenden Künstler an der Staffelei nicht mehr Tempera, sondern Öl. Der Nachteil von Ölmalerei war, dass sie schnell verfiel, wenn sie anstelle von echten Fresken an Wänden verwendet wurde.
Je nach Ort gab es unterschiedliche Malstile und Techniken. So war beispielsweise in Venedig die Technik des Colore (oder Colorito) vorherrschend (bei der kontrastierende Farben verwendet wurden, um eine harmonische Komposition zu erzielen und zu definieren), während in Florenz der Disegno bevorzugt wurde (wobei die Linienzeichnung der Form im Vordergrund stand). Andere Techniken, die von den Künstlern der Renaissance perfektioniert wurden, sind Chiaroscuro (die kontrastreiche Verwendung von Licht und Schatten) und das Sfumato (der Übergang von helleren zu dunkleren Farben).
Das Motiv des Gemäldes war eine weitere Gelegenheit zum Experimentieren. Das Malen von Figuren in dramatischen Posen wurde zu einer Mode der Renaissance, am besten zu sehen in Michelangelos Decke der Sixtinischen Kapelle in Rom (1512 n. Chr.). Der Kontrapost, eine Asymmetrie zwischen Ober- und Unterkörper der Figuren, eine von Leonardo und vielen anderen angewandte Technik, verleiht dem Gemälde eine enorme Dynamik. Eine weitere Idee war die Schaffung von Formen in einer Szene, insbesondere von Dreiecken. Ziel war es, eine harmonische Komposition zu schaffen und der Szene zusätzliche Tiefe zu verleihen, wie in Leonardos Wandgemälde des Abendmahls in der Mailänder Kirche Santa Maria delle Grazie (um 1498 n. Chr.) oder dem Triumph der Galatea von Raffael (um 1513 n. Chr., Villa Farnesina, Rom) zu sehen ist.
Die Künstler strebten nach einem immer größeren Realitätssinn in ihren Gemälden, und dies konnte durch die Wiedergabe der Perspektive erreicht werden, die man in einer dreidimensionalen Ansicht zu sehen erwarten würde. Andrea Mantegna (ca. 1431–1506 n. Chr.) nutzte Techniken der perspektivischen Verkürzung, wie sie auch Giotto angewandt hatte, etwa in seinem Bild Die Agonie im Garten (um 1460 n. Chr., National Gallery, London). Mantegna malte seine Szenen auch gerne so, als ob man sie von unten betrachten würde, ein weiterer Trick, der seinem Werk Tiefe verlieh. Manchmal wurde die Tiefe im Mittelgrund des Gemäldes erreicht, während Figuren den Vordergrund beherrschten, was sie dem Betrachter näher brachte. Diese Technik wurde von Pietro Perugino (ca. 1450–1523 n. Chr.) erfunden und ist am besten in der Vermählung Mariä (ca. 1504 n. Chr., Pinacoteca di Brera, Mailand) von Raffael zu sehen, der einst ein Schüler Peruginos war.
In der Zwischenzeit gingen Maler wie Piero della Francesca (ca. 1420–1492 n. Chr.) noch weiter und verwendeten präzise mathematische Prinzipien der Perspektive, wie man in seiner Geißelung Christi (ca. 1455 n. Chr., Nationalgalerie der Marken, Urbino) sehen kann. Einige Kritiker waren der Meinung, dass einige Künstler bei der Verwendung der Perspektive zu weit gingen und so der ursprüngliche Sinn ihrer Malerei verloren ging – Paolo Uccello (1397–1475 n. Chr.) war ein besonderes Opfer dieser Behauptung. Uccellos Jagd (um 1460 n. Chr., Ashmolean Museum, Oxford) ist sicherlich ein kühnes Gemälde mit seinem Panoramablick auf einen symmetrischen Wald, der in einen immer dunkler werdenden Hintergrund übergeht, während der Vordergrund von den Jägern und ihren Hunden beherrscht wird, die alle auf einen entfernten zentralen Punkt zusteuern.
Ein weiterer Schritt auf dem Weg zu mehr Realität bestand darin, die Szene mit einer einzigen Lichtquelle auszustatten, die in allen Elementen des Gemäldes passende Schattenbereiche erzeugt, so beispielsweise Der heilige Franziskus in Ekstase (Frick Collection, New York) von Giovanni Bellini (ca. 1430–1516 n. Chr.) aus dem Jahr 1480. Manche Künstler begannen sogar, dem Betrachter Streiche zu spielen, wie etwa durch den Spiegel in Jan van Eycks Porträt der Arnolfini-Hochzeit (1434 n. Chr., National Gallery, London), in dem sich Figuren spiegeln, die neben dem Betrachter stehen müssen. All diese Techniken hatten den zusätzlichen Vorteil, dass sie für Betrachter, die nicht an solche Innovationen gewöhnt waren, einen „Wow-Effekt“ erzeugten.
Die Maler der Renaissance wollten ihren Werken eine weitere Bedeutungsebene hinzufügen, die über den ersten visuellen Eindruck hinausging. Mythologische Szenen waren oft voller Symbolik, um den gebildeten Betrachter von dem weniger gebildeten zu unterscheiden. Tizian (um 1487–1576 n. Chr.) bezeichnete seine mythologischen Gemälde sogar als eine Form der Poesie, die er Poesia nannte, so dicht waren die klassischen Bezüge in ihnen, z. B. in Bacchus und Ariadne (um 1523 n. Chr., National Gallery, London).
Die Porträtmalerei war ein weiterer Bereich, in dem sich die Künstler der Renaissance hervortaten. Das berühmteste Beispiel ist Leonardos Mona Lisa (ca. 1506 n. Chr., Louvre, Paris), die eine nicht identifizierte Frau zeigt. Leonardo hat nicht nur ein Abbild gemalt, sondern auch die Stimmung der Dargestellten eingefangen. Konturen, Perspektive und Farbabstufungen werden kombiniert, um dem Bild Leben einzuhauchen. Die lässige Haltung und die Dreiviertelansicht der Dame sind ein weiterer Hinweis auf Bewegung. Dieses Gemälde hatte einen enormen Einfluss auf spätere Porträts. Eine weitere Entwicklung war die Verwendung von Alltagsgegenständen in Porträts, die auf den Charakter, den Glauben und die Interessen der Porträtierten hinwiesen. Die niederländischen Maler waren besondere Meister des realistischen Porträts, und ihre Ideen verbreiteten sich in Italien, wo sie zum Beispiel in den Werken von Piero della Francesca zu finden sind, insbesondere in seinem Gemälde von Federico da Montefeltro, Herzog von Urbino (um 1470, Uffizien, Florenz).
Bildhauerei und Bruch mit der klassischen Form
Während viele religiöse Themen in der Bildhauerei wie die Pietà – die um den Leichnam Jesu Christi trauernde Jungfrau Maria – beliebt blieben, wich die konventionelle Ikonografie bald innovativeren Darstellungen. Donatello (ca. 1386–1466 n. Chr.) experimentierte beispielsweise damit, Technik und Ausführung zu opfern, um die Emotionen einer Figur einzufangen, eine Strategie, die sich am besten in seiner hölzernen Maria Magdalena (ca. 1446 n. Chr., Museo dell’Opera del Duomo, Florenz) zeigt.
Im Zuge des klassischen Revivals schufen Bildhauer ihre eigenen Versionen antiker Figuren aus Holz, Stein und Bronze. Am berühmtesten ist der David von Michelangelo (1504 n. Chr., Galleria dell’Accademia, Florenz). Die Marmorfigur, die den biblischen König darstellt, der in seiner Jugend den Riesen Goliath erschlug, ist mit einer Höhe von 5,20 Metern viel größer als lebensgroß. Sie erinnert an kolossale Herkules-Statuen aus der Antike, aber die Spannung der Figur und ihr entschlossenes Gesicht sind Erfindungen der Renaissance.
Donatello schuf seine Version des David in Bronze (1420 oder 1440 n. Chr., Bargello, Florenz) und dieses Werk war eine weitere dramatische Abkehr von der antiken Skulptur. Die Körperhaltung schafft eine sinnliche Figur, die in der Antike nicht möglich gewesen wäre. Sowohl der David von Michelangelo als auch der von Donatello erinnern an die enge Verbindung zwischen Kunst und Funktion in der Renaissance. David erschien auf dem offiziellen Siegel von Florenz und erinnerte als Goliath-Töter zur rechten Zeit an die Kämpfe der Florentiner gegen die rivalisierende Stadt Mailand.
Eine mit der Bildhauerei verwandte Kunst war der Kupferstich. Auch hier war Donatello beteiligt, der für das Baptisterium von Siena und mehrere florentinische Kirchen prächtige Bronzetafeln mit Flachrelief anfertigte. Die Technik, eine Szene mit geringer Tiefe zu schnitzen und dennoch ein Gefühl für die Perspektive zu erhalten, wurde als abgeflachtes Relief oder Rilievo Schiacciato bezeichnet. Eine ganz andere Technik bestand darin, Metalltafeln mit Figuren zu schaffen, die so hoch reliefiert waren, dass sie fast rund waren. Das berühmteste Beispiel für diese Technik ist Lorenzo Ghibertis Paradiespforte, die Tür des Baptisteriums von San Giovanni in Florenz (vollendet 1452 n. Chr.). Die an den Türen angebrachten vergoldeten Paneele zeigen biblische Szenen und sogar eine Büste von Ghiberti selbst.
Ab 1420 n. Chr. waren Holzschnitte beliebt, aber erst mit der Entwicklung des Kupferstichs in den 1470er Jahren n. Chr. wurde die Druckgrafik zu einer echten Kunstform. Kupferplatten ermöglichten eine viel größere Präzision und Detailgenauigkeit. Mantegna und Dürer waren zwei bemerkenswerte Experten auf diesem Gebiet, und ihre Kupferstiche wurden zu begehrten Sammlerstücken. Der erfolgreichste Drucker war Marcantonio Raimondi (1480–1534 n. Chr.), und seine Kunstdrucke trugen dazu bei, Ideen nach Nordeuropa zu verbreiten und umgekehrt.
Das Erbe der Renaissancekunst
Das Sammeln von Kunst wurde zu einem Hobby der Wohlhabenden, doch als das Bürgertum reicher wurde, konnte auch es Kunst erwerben, wenn auch nicht ganz so bedeutende. Werkstätten wie die von Ghiberti begannen zwar nicht gerade mit der Massenproduktion von Kunst, aber zumindest mit der Verwendung standardisierter Elemente aus einem bestehenden Katalog. Kurzum: Kunst war nicht mehr nur den Wohlhabenden vorbehalten, und wer sich keine Originale leisten konnte, hatte die Möglichkeit, Drucke zu kaufen. Die Drucke verbreiteten auch den Ruf der Künstler weit und breit. Dank der Ausweitung des Kunstmarktes waren die Meister nun frei, Kunst so zu produzieren, wie sie es für richtig hielten, und nicht so, wie ein Mäzen es für richtig hielt.
Die Kunst der Renaissance entwickelte sich ständig weiter. Der Manierismus zum Beispiel ist ein vager Begriff, der sich zunächst auf die seltsam andersartige Kunst nach der Hochrenaissance bezog. Später erhielt der Manierismus eine positivere Bedeutung: Stil, Zweideutigkeit der Aussage, Kontrast und allgemein das Spiel mit den Techniken und Standardisierungen, die die Künstler der früheren Renaissance festgelegt hatten. Ein Beispiel dafür ist das 1548 n. Chr. entstandene Sklavenwunder von Tintoretto (ca. 1518–1594 n. Chr., Academia, Venedig). Aus dem Manierismus entwickelte sich der nächste große Stil in der europäischen Kunst, der hochdekorative Barock, der die reichen Farben, feinen Details und energischen Posen der Renaissancekunst zu einem neuen Extrem von überwältigender Dramatik und Dekoration führte.
