La escultura romana combinó la perfección idealizada de la escultura griega clásica con una mayor aspiración al realismo. También absorbió las preferencias artísticas y los estilos de Oriente para crear imágenes en piedra y bronce que se cuentan entre las mejores obras de la antigüedad. La escultura romana destaca por su variedad, ya que los artistas trabajaban en un gran imperio y los gustos del público cambiaban constantemente a lo largo de los siglos.
Aparte de su propia y única contribución, los escultores romanos también han conservado para la posteridad, con sus populares copias de obras maestras griegas anteriores, obras de incalculable valor que, de otro modo, se habrían perdido por completo para el arte mundial, sobre todo obras de artistas griegos realizadas en valioso bronce.
Evolución
Al igual que la escultura griega, los romanos trabajaron la piedra, los metales preciosos, el vidrio y la terracota, pero prefirieron el bronce y el mármol para sus mejores obras. Sin embargo, como el metal siempre ha sido muy demandado para su reutilización, la mayoría de los ejemplos de escultura romana que se conservan son de mármol.
El gusto de los romanos por la escultura griega y helenística hizo que, una vez agotada la oferta de piezas originales, los escultores tuvieran que hacer copias, que podían ser de distinta calidad según la habilidad del escultor. De hecho, en Atenas y en la propia Roma existía una escuela específica de copia de originales griegos célebres, dirigida por Pasiteles junto con Arcesilao, Evandro, Glycon y Apolonio. Un ejemplo del trabajo de esta escuela es la estatua de mármol de Orestes y Electra del siglo I a.C., que se encuentra en el museo arqueológico de Nápoles. Los escultores romanos también produjeron copias en miniatura de muchos originales griegos, a menudo en bronce, que los amantes del arte coleccionaron y expusieron en gabinetes en el hogar.
Sin embargo, la escultura romana empezó a buscar nuevas vías de expresión artística, alejándose de sus raíces etruscas y griegas, y, a mediados del siglo I d.C., los artistas romanos trataban de captar y crear efectos ópticos de luz y sombra para lograr un mayor realismo. A finales de la Antigüedad, incluso se produjo un movimiento hacia el impresionismo con la incorporación de trucos de luz y formas abstractas.
La escultura también se hizo más monumental, con enormes estatuas de emperadores, dioses y héroes más grandes que la vida, como las enormes estatuas de bronce de Marco Aurelio a caballo o la estatua aún más grande de Constantino I (solo se conservan la cabeza, la mano y algunas extremidades), que ahora residen en los Museos Capitolinos de Roma. Hacia el final del Imperio, la escultura de las figuras tendía a carecer de proporción, las cabezas se agrandaban y las figuras se solían presentar más planas y de frente, mostrando la influencia del arte oriental.
También es importante distinguir dos "mercados" bastante distintos para la escultura romana: el primero era el de la clase dirigente aristocrática, que prefería una escultura más clásica e idealista, mientras que el segundo, más provinciano, de "clase media", parece haber preferido un tipo de escultura más naturalista y emocional, especialmente en los retratos y las obras funerarias (aunque las limitaciones de los artistas lejos de los grandes centros urbanos también pueden haber tenido algo que ver con las diferencias de estilo). Una interesante comparación de los dos enfoques puede encontrarse en la Columna de Trajano en Roma y en un trofeo en Adamclisi que conmemora las mismas campañas dacianas.
Estatuaria y escultura de retrato
Al igual que los escultores griegos, a los romanos les gustaba representar a sus dioses en estatuas. Cuando los emperadores romanos empezaron a reclamar su divinidad, también fueron objeto de estatuas a menudo colosales e idealizadas, a menudo con el sujeto representado con un brazo levantado hacia las masas y adoptando una postura adecuadamente autoritaria, como en el Augusto de la Prima Porta.
Las estatuas también se podían utilizar con fines decorativos en el hogar o el jardín y se podían replicar en miniatura, especialmente en metales preciosos como la plata. Un tipo de estatuas peculiar de los romanos eran los Lares Familiares. Solían ser de bronce y representar a los espíritus que protegen el hogar. A menudo se las encuentra en parejas en un nicho dentro de la casa y suelen ser figuras juveniles con los brazos levantados y el pelo largo, que visten túnica y sandalias.
Sin embargo, es en el ámbito específico del retrato donde la escultura romana pasa realmente a primer plano y se diferencia de los artistas griegos y de otras tradiciones artísticas. El realismo de los retratos romanos puede deberse a la tradición de conservar en la casa solariega las máscaras funerarias de cera de los miembros de la familia fallecidos, que los dolientes llevaban en los funerales familiares. A menudo se trata de representaciones precisas en las que se registran incluso los defectos y los aspectos físicos menos favorecedores de un determinado rostro. Trasladados a la piedra, tenemos muchos ejemplos de bustos privados que se alejan de los retratos idealizados de la escultura anterior y presentan al sujeto como viejo, arrugado, con cicatrices o flácido; en resumen, estos retratos dicen la verdad.
Una vez más, en los retratos oficiales de la élite gobernante, a diferencia de los sujetos de clase baja, el sujeto siguió siendo idealizado; por ejemplo, la estatua de Augusto como Pontifex Maximus presenta al emperador con un aspecto mucho más juvenil y fresco de lo que era en realidad en el momento de la escultura (finales del siglo I a.C.). Sin embargo, en la época de Claudio, a mediados del siglo I a.C., y aún más bajo Nerón y los emperadores flavios, los retratos oficiales en ocasiones se esforzaron por ser más realistas. En el mismo período, los retratos femeninos destacan por sus elaborados peinados y, sin duda, fueron los principales instigadores de las tendencias de la moda.
Bajo Adriano se produjo una vuelta a las imágenes idealizadas, como en la escultura griega clásica (por ejemplo, la estatua colosal de Antinoo, c. 130 d.C.), pero hubo una importante innovación en cuanto a la representación más natural de los ojos en las obras de mármol. Anteriormente, la pupila y el iris solo se pintaban en la escultura, pero ahora también se esculpían, como se hacía en las obras de bronce y terracota.
Con los Antoninos vuelve el realismo, y regresan rasgos como las patas de gallo y la flacidez. También en esta época se produjo una tendencia a pulir las partes de la piel del mármol, que entonces contrastaba, en particular, con el cabello, que se tallaba profundamente y se dejaba sin pulir. Además, en este período se puso de moda tener el torso completo en lugar de solo los hombros por debajo de la cabeza. (Véase, por ejemplo, el busto de Cómodo como Hércules, c. 190-2 d.C. en el Museo Capitolino de Roma). El busto de Caracalla (c. 215 d.C.), en el mismo museo, es otro buen ejemplo del abandono del idealismo en el retrato de élite, ya que el emperador tiene una barba muy recortada, un giro decidido de la cabeza, una boca enseñada y unos ojos mezquinos que delatan claramente su carácter.
A finales del Imperio, el retrato de élite se convierte en una fórmula y abandona todo intento de capturar de forma realista los atributos físicos del sujeto. Las representaciones de emperadores como Diocleciano, Galerio y Constantino I (véase la colosal cabeza de bronce de los Museos Capitolinos), por ejemplo, apenas presentan rasgos fisionómicos distinguibles, quizá en un intento de afirmar el alejamiento del emperador del común de los mortales y su proximidad a lo divino.
Escultura arquitectónica
La escultura en los edificios romanos podía ser meramente decorativa o tener un propósito más político, por ejemplo, en los arcos de triunfo (que a menudo celebraban victorias militares) la escultura arquitectónica plasmaba con detalle los acontecimientos clave de la campaña que reforzaban el mensaje de que el emperador era un agente victorioso y civilizador en todo el mundo conocido. Un ejemplo típico es el Arco de Constantino en Roma (c. 315 d.C.), que también muestra a los "bárbaros" derrotados y esclavizados, para transmitir el mensaje de la superioridad de Roma. Del mismo modo, en columnas como la de Trajano (c. 113 d.C.), la escultura podía mostrar al emperador como un excelente líder, meticulosamente preparado, militarmente innovador y convenientemente inspirador para sus tropas. Este tipo de representación de personas reales y personajes históricos concretos en la escultura arquitectónica contrasta con la escultura griega, en la que las grandes victorias militares se solían presentar en forma de metáfora utilizando figuras de la mitología griega, como amazonas y centauros, como en el Partenón.
Los altares también se utilizaban para presentar a personas importantes bajo una luz favorable; quizá la primera pieza de este tipo sea el altar de Domicio Enobarbo de Roma (c. 100 a.C.), que podría representar al orador Marco Antonio. El altar más famoso de todos es el Ara Pacis de Augusto (terminado en el año 9 a.C.) en Roma, un enorme bloque de mampostería que representa a espectadores y participantes en una procesión religiosa. A diferencia de la escultura oficial posterior, la representación del emperador es discreta, pero lo que hace que el monumento sea significativo es la representación de las figuras en estado de acción. Parece como si hubieran sido capturados en un solo momento como en una fotografía, un niño se pone una toga, la hermana de Augusto manda callar a dos charlatanes, etc.
Escultura funeraria
Los bustos funerarios y las estelas (lápidas) eran una de las formas más comunes de escultura en el mundo romano. Estas esculturas podían representar al difunto solo, con su pareja, hijos e incluso esclavos (véase la lápida del siglo I d.C. del mercader de maíz Ampudius, ahora en el Museo Británico). Las figuras suelen llevar toga y las mujeres pueden mantener la pose de pudicitia con la mano en la barbilla en señal de remordimiento. Los altares funerarios también eran comunes y podían llevar escenas en relieve de la vida del difunto o escenas bursátiles, y los de los más ricos podían representar diferentes generaciones de miembros de la familia.
A partir del siglo II d.C., la inhumación (frente a la cremación más tradicional) se hizo más común, por lo que se desarrolló un mercado de sarcófagos. Estos estaban tallados en piedra y a menudo tenían escenas de la mitología esculpidas en alto relieve en los cuatro lados e incluso en la tapa. Los sarcófagos "asiáticos" eran los más decorados, con relieves cortados casi en redondo. Los de tipo proconésico tenían esculturas sobre doncellas con guirnaldas y los de tipo romano tenían un lado en blanco para colocar los sarcófagos contra la pared. Hacia el siglo II d.C., la escultura podía incluir también un retrato del ocupante, normalmente en actitud heroica, tal vez como general victorioso o, más tarde, en un panel dedicado o tondo en la parte frontal.
Ejemplos destacados
Los dos grandes paneles en relieve del Arco de Tito en Roma se celebran como el primer intento exitoso de crear profundidad y espacio en la escultura. Los paneles representan escenas de la procesión triunfal del emperador en el año 71 d.C. tras sus campañas en Judea; uno de ellos muestra a Tito montado en un carro de cuatro caballos, mientras que el otro muestra el botín del templo de Jerusalén. La perspectiva se consigue haciendo que las figuras se retiren hacia el fondo, tallando las figuras en mayor relieve cuanto más cerca estén del primer plano, con el relieve más alto hacia el centro de la escena y haciendo que el fondo del panel se curve ligeramente hacia dentro. Así se crea una escena bulliciosa de profundidad y movimiento.
La estatua ecuestre de bronce dorado de Marco Aurelio, de 3,52 m de altura, es una de las estatuas de bronce más imponentes de la antigüedad. Probablemente se erigió entre los años 176 y 180 d.C. en un lugar desconocido de Roma. La estatua conmemora las victorias del emperador sobre las tribus germánicas en el año 176 o su muerte en el 180. La notable supervivencia de la estatua se atribuye a que el emperador pudo ser confundido con Constantino. A finales de la década de 1980 se llevó a cabo un trabajo de restauración muy necesario, ya que la estatua se había ido marchitando poco a poco al aire libre, pero ahora ocupa un lugar privilegiado en una sala construida a tal efecto en los Museos Capitolinos de Roma.
El retrato de Cómodo como el héroe Hércules (c. 190-2 d.C.) es un ejemplo sorprendente de cómo el retrato de élite en el arte romano podía ser realista e idealista al mismo tiempo. Los rasgos del emperador son claramente reconocibles y su expresión grita una segura indiferencia del espectador. Sin embargo, el artista también ha revelado, intencionadamente o no, algo de la arrogancia y la debilidad de este infame emperador. Mortimer Wheeler lo describe de la siguiente manera:
El afeminado y blandengue emperador, con sus débiles brazos, con el rostro poco inteligente y fláccido, aureolado por los rizos de un cabello y una barba que huelen a pomada, tocado con la piel del león mientras sostiene la maza y unas diminutas "manzanas de las Hespérides" en unas manos en las que se ha hecho una cuidada manicura, es una caricatura a la vez delicada y brutalmente expresiva. Parece que deleitó al perverso sádico a quien inmortalizaba tan fielmente. [1]
Conclusión
La escultura romana, por tanto, no solo nos ha proporcionado un registro inestimable de las anteriores obras maestras griegas, sino que también ha aportado grandes obras por derecho propio. Entre las contribuciones únicas a esta forma de arte se encuentran el uso de narraciones históricas y un realismo sin precedentes en los retratos, que podían adoptar la forma de grandiosos emperadores vestidos de dioses o representaciones más humildes de mortales menores que, con la representación de rasgos físicos y expresiones emocionales particulares, nos permiten sentirnos un poco más cerca de un pueblo que vivió hace tanto tiempo.
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[1] https://fdocuments.es/document/wheeler-el-arte-y-la-arquitectura-de-roma.html
