Leonardo da Vinci (1452-1519) fue un artista, arquitecto, ingeniero y científico italiano del Renacimiento. Es famoso por su habilidad de captar en cualquier material la naturaleza, los fenómenos científicos y las emociones humanas. Las obras maestras innovadoras de Leonardo muestran su maestría de la luz, de la perspectiva y del efecto en conjunto. Sus obras más apreciadas son el retrato de Mona Lisa y la pintura mural La última cena.
Leonardo es considerado uno de los grandes genios de la historia por su manera de adquirir conocimientos en todo lo que va desde anatomía hasta mecánica; el requisito para esto es el conocimiento de la teoría y de la práctica de un asunto determinado. En pocas palabras, al combinar las habilidades del artesano con aquellas del estudioso, la visión de Leonardo demostró los beneficios de un enfoque completamente nuevo para comprender el mundo actual y así, la manera de crear cosas nuevas y maravillosas para el mundo del mañana.
Juventud
Leonardo nació el 15 de abril de 1452; era hijo ilegítimo de un notario de la localidad de Vinci, cerca de Florencia. Era un niño dotado, especialmente para la música y el dibujo. Hacia 1464, el joven Leonardo fue enviado como aprendiz al taller de Andrea del Verrocchio (c. 1435-1488) para estudiar y seguir una carrera de artista. Por este tiempo, estaban en el taller Sandro Botticelli (1445-1510) y Pietro Perugino (c. 1450-1523), artistas que se destacaron posteriormente. Aquí Leonardo aprendería a dominar las técnicas de dibujo y de pintura, así como las últimas tendencias tales como el uso de detalles ornamentales al estilo clásico. Una de las primeras contribuciones del joven Leonardo al arte del Renacimiento pudo haber sido el ángel arrodillado en la pintura de Verrocchio, Bautismo de Cristo (c. 1470; hoy día se encuentra en la Galería Uffizi, Florencia). Al terminar su aprendizaje, Leonardo se convirtió en un asistente remunerado de Verrocchio, y se registró como maestro en el gremio de los pintores de Florencia.
Otras habilidades que Leonardo perfeccionó desde temprano en su carrera incluyeron la técnicas del chiaroscuro (el uso contrastado de luz y sombra) y del sfumato (la transición de colores claros a oscuros). El uso de esta última técnica es evidente en particular en su ilustración a color hecha con carboncillo de Santa Ana, la Virgen y el Niño (c. 1503; hoy día en la National Gallery, Londres); y en su versión pintada (c. 1505; hoy día en el Museo del Louvre, París). La técnica de sfumato se ilustra muy bien en la pintura al óleo sobre tabla hecha por Leonardo hacia 1483, la Virgen de las rocas (en el Louvre). Leonardo también era un innovador, ¡eso sí! Su Anunciación (c. 1472; hoy día en los Uffizi) muestra que el artista siguió algunas tendencias del Renacimiento, por ejemplo los detalles clásicos del libro que reposa sobre María, pero también hizo caso omiso de otros como su rechazo obvio a la simetría en los árboles del fondo.
Paulo Jovio (1483-1552), obispo de Nocera, historiador de arte y contemporáneo de Leonardo en su minibiografía da el siguiente resumen de la personalidad del artista:
Era … encantador (comi), muy brillante, sumamente liberal; su rostro era el más bello del mundo. Como era árbitro de toda elegancia y un maravilloso inventor, sobre todo de los espectáculos teatrales (deliciarum théatralium); como cantaba admirablemente, acompañándose de la lira, toda su vida fue apreciado de manera singular por todos los príncipes.[1] (Séailles, p.73/580)
Notas y dibujos
Leonardo no estaba restringido en modo alguno al arte y de hecho, sus intereses fueron extensos; estos abarcaban casi todo el mundo físico. Estudió arquitectura, ingeniería, geometría, perspectiva, mecánica e hidráulica para satisfacerse de saber cómo funcionaban las cosas, y por qué aparecían así al ojo humano. No descuidó el mundo natural en sus estudios de anatomía, botánica, zoología y geología. Toda su vida, Leonardo mantuvo cuadernos en los que registraba los resultados de sus investigaciones y sus ideas para las nuevas invenciones. Las máquinas que el artista produjo de la nada incluyen grúas, botes a pedales con ruedas, tanques, cañones, aparatos para respirar bajo el agua y hasta artilugios voladores. Lo único que les faltaba a estos diseños era una máquina interna de combustión, que no se inventó, por supuesto, sino hasta siglos después. A menudo, los apuntes escritos en estos cuadernos están intercalados con dibujos; muchos de ellos son en sí mismos obras de arte en miniatura. Quizás el más famoso entre todos estos dibujos sea el Hombre de Vitrubio (ver a continuación).
Además, Leonardo escribió sus ideas sobre pintura y sus observaciones sobre los efectos que había visto en la naturaleza y que consideraba útil para el artista. Como lo dijo él mismo, «un pintor no es admirable si no es universal»; pero supo apreciar que dominar un sujeto toma tiempo, y notó que la impaciencia es la madre de la estupidez (Hale, p. 183). Estos apuntes y tratados eran, sin duda alguna, útiles para el papel de Leonardo como tutor de los artistas jóvenes de su propio taller. Algo curioso es que muchos de estos apuntes fueron escritos en escritura especular que también es llamada escritura en espejo, es decir, en dirección contraria a la escritura normal.
Aparte de tener un montón de cuadernos, Leonardo construyó una biblioteca personal impresionante, que para el año 1503, contenía 116 libros de sujetos tales como medicina de la Edad Media y del Renacimiento, religión y matemáticas. La colección incluía obras seminales como la Historia natural de Plinio el Viejo, la Geografía de Claudio Ptolomeo y De Re Militari (sobre arte militar) de Roberto Valturio. Leonardo también estaba interesado en los idiomas, particularmente en latín; trató de aprenderlo solo para poder leer los manuscritos medievales en su forma original; en sus cuadernos se encuentran listas largas de palabras en latín.
Milán
La versatilidad de Leonardo se muestra además en su trabajo para Ludovico Sforza (1452-1508), el duque de Milán. En 1482, Leonardo se mudó a esa ciudad, donde actuó, por una parte, como el principal ingeniero militar y naval; y por otra, como pintor maestro y escultor. Leonardo también produjo autómatas ingeniosos para los festivales de Ludovico, y estos incluyen planetas en movimiento con los respectivos nombres de cada uno de los dioses por dentro de las esferas. El maestro se aplicó de lleno a crear en bronce una estatua ecuestre masiva para representar a Francisco Sforza (1401-1466), el fundador de esa dinastía, pero el proyecto nunca fue más allá de la etapa del modelo en terracota; este no fue de ningún modo el único proyecto que Leonardo nunca acabó. Existen dibujos que muestran no sólo la forma general de la estatua, sino también cómo Leonardo trataba de hacer y transportar las piezas masivas en bronce para realizar el ensamblaje final.
Leonardo pintó a la amante de Ludovico Sforza, Cecilia Gallerani, en La dama del armiño (c. 1490; hoy día en el Museo Nacional de Cracovia, Polonia). En los 17 años que estuvo en Milán, su obra más importante fue la pintura en mural de La última cena (ver a continuación). Fue durante este período, especialmente hacia la década de 1490, que Leonardo fue el primero en introducir en sus dibujos la novedad de la tiza roja sobre papel tratado. Los muchos ejemplos de estos dibujos que han sobrevivido incluyen su famoso Autorretrato, que muestra un artista envejecido y barbudo. El dibujo se encuentra hoy día en la Biblioteca Real de Torino.
Otros viajes y Francia
En 1500, Leonardo visitó Venecia. Alrededor de este tiempo pintó su versión erótica de la historia de Leda y el cisne inspirada de la mitología griega, que ahora está perdida, aunque han sobrevivido dibujos de esta. En 1502, Leonardo trabajó en Roma, donde recibió el encargo por parte del hombre de estado César Borgia (1475-1507) de planificar los canales de la ciudad. También hizo mapas de la ciudad y de las regiones aledañas, así como planos para mejorar los puertos. En 1502 hizo uno de sus mapas más célebres, el de Imola, donde muestra cada estructura vista desde arriba y a escala precisa; que es el primer mapa de este tipo. Para 1503, Leonardo había regresado a Florencia con el fin de trabajar en una proposición para hacer una pintura mural de una batalla destinada al Palacio Viejo, lo que es hoy el Ayuntamiento. El cartón de Leonardo para esta obra ahora está perdido, pero ilustraba la batalla de Anghiari entre las tropas de Florencia y Milán. Los primeros años del siglo XVI también fueron testigos de la culminación de una pintura en la que Leonardo quizás hubiera estado trabajando esporádicamente, el retrato de Mona Lisa (ver a continuación).
En 1517, Leonardo fue a Francia, donde sus habilidades eran apreciadas por Francisco I de Francia (que reinó entre 1515 y 1547), un gran mecenas de los artistas y de los arquitectos del Renacimiento. Leonardo, a invitación específica del rey de Francia, pudo haber participado en las etapas iniciales del castillo de Chambord, a orillas del río Loira, construido por Francisco entre 1519 y 1547. A Leonardo se le acredita a menudo el diseño ingenioso de la escalera doble del castillo, aunque no haya evidencia firme al respecto.
La última obra de arte de Leonardo fue hecha hacia 1515, la pintura de San Juan Bautista. Sin embargo, parece que en los últimos años de su vida se interesaba por la investigación científica. Leonardo murió el 2 de mayo de 1519, en su casa francesa, el castillo de Cloux, cuyo nombre actual es el castillo de Clos‑Lucé. Fue enterrado en la capilla de san Huberto, justo al lado del castillo de Amboise.
Reputación y legado
Desde su muerte, la diversidad absoluta de las obras que dejó Leonardo ha dejado estupefactos a los historiadores y críticos. Como es bien sabido, el historiador del Renacimiento Jacob Burckhardt (1818-1887) declaró, «los lineamientos colosales de la naturaleza de Leonardo sólo pueden ser concebidos vagamente y a distancia» (p. 104). Las obras artísticas de Leonardo fueron influyentes para otros artistas del Renacimiento por su maestría en la composición y la luz, la postura de contrapposto de sus figuras (es decir, la asimetría entre la parte de arriba y de abajo del cuerpo) y la invención y variedad absoluta de sus composiciones.
Sin embargo, también cabe decir que algunos elementos en las obras de Leonardo son tan sutiles y hábiles que son pocos los artistas que puedan tener la esperanza de imitarlos. En aquel tiempo, igual que hoy, una buena parte de su arte era muy admirada, pero no comprendida por todos en su totalidad. No obstante, aquellos que podían ver… vieron. La obra del maestro para la batalla de Anghiari, de la cual se hicieron varias copias, influyó sobre artistas con talento como Rafael (1483-1520) quien admiraba mucho la masa de humanidad retorcida, aparentemente capturada en un momento congelado en el tiempo. Este es sólo un ejemplo de la influencia del maestro, sólo un producto de lo que el matemático Luca Pacioli (c. 1447-1517) ya había llamado «la mano izquierda divina» (Campbell, p. 387). La fama de Leonardo llegó hasta Constantinopla, donde el sultán del Imperio otomano Bayezid II (que reinó entre 1481-1512) lo invitó, sin éxito, a su corte.
Los cuadernos de Leonardo, que no fueron publicados sino hasta 1570, eran influyentes no solo por sus teorías sobre pintura y sus diagramas sobre perspectiva, sino también por la búsqueda de conocimientos en general. La manera en que Leonardo ilustraba algunos sujetos (desde un embrión hasta una catedral), su uso de cortes transversales, perspectiva, precisión a escala y la repetición del sujeto desde distintos puntos de vista, todo esto ha influido a su vez sobre el dibujo lineal en arquitectura, así como en la creación de diagramas científicos. Leonardo ha mostrado sobre todo que la teoría y la práctica no podían y no debían separarse. El gran maestro demostró en persona que el conocimiento completo de cualquier sujeto requiere una combinación de las habilidades del artesano; del talento y la imaginación del artista; y de la meticulosa investigación y razonamiento de un estudioso. Por lo expuesto, los métodos para tratar muchos sujetos, pero especialmente en arte, arquitectura, ingeniería y ciencia, cambiaron fundamentalmente para siempre.
Obras maestras
Mona Lisa
La Mona Lisa (La Gioconda en italiano) es una pintura al óleo sobre tabla, el retrato de una mujer no identificada hecha por Leonardo entre 1503 y 1506. Mide 98 x 53 centímetros (38 x 21 in); es de un tamaño relativamente pequeño que con frecuencia sorprende a los espectadores modernos que suelen ver esta imagen simbólica en reproducciones grandes. La pintura, en vez de captar simplemente los rasgos característicos de la modelo, trata de captar el humor y pensamientos del sujeto en un momento específico, lo que Leonardo llamaba «los movimientos de la mente» (Campbell, p. 257). Otros efectos incluyen el uso de la perspectiva aérea como la recesión del color hacia el fondo más lejano de un paisaje que pareciera agua y la diferencia en la gradación del color de arriba hacia abajo de la pintura.
La pose relajada de la dama y la posición de sus manos, con la cabeza en la punta superior, forman un triángulo clásico. Durante el Renacimiento, muchos artistas experimentaban con esta composición triangular en sus pinturas. Los colores claros y oscuros son utilizados con destreza para poner énfasis en el rostro ovalado y en las manos suaves de la dama, mientras que el contorno de estos combina líneas convexas y cóncavas que crean una ilusión de movimiento sutil. Por último, el encuadre de la dama retratada en tres cuartos crea otra sugestión de movimiento porque pareciera que en ese preciso momento, ella se hubiera volteado para ver al espectador. Además, Leonardo estaba interesado exclusivamente en presentar la visión de un ser viviente que respira, que está en contacto íntimo con el espectador; la evidencia está en que no hay ningún título de identificación, las joyas brillan por su ausencia, así como cualquier símbolo de riqueza; todo lo contrario de lo que hasta entonces era típico en los retratos. La obra fue influyente desde un principio e inspiró a artistas como el joven Rafael para sus propios retratos de Maddalena Doni (Strozzi de soltera) y de Baltasar Castiglione. A Leonardo debió complacerle Mona Lisa porque durante su vida nunca se separó del retrato; la pintura es una de las atracciones estrella en el Museo del Louvre en París.
La última cena
La última cena (Il Cenacolo en italiano) es una representación de la última comida de Jesucristo con sus apóstoles que Leonardo pintó en la pared del refectorio de santa Maria delle Grazie, una residencia de la Orden dominicana en Milán. Este era un sujeto tradicional para decorar los refectorios monásticos, y seguramente, esta obra fue un encargo de Ludovico Sforza, cuyas armas heráldicas aparecen en la parte superior de la pintura mural. La obra fue terminada hacia 1498. El triunfo de esta pintura mural es la variedad de reacciones emocionales que cada uno de los apóstoles muestra cuando han escuchado que uno de ellos traicionará a Jesús.
Como todas las obras de arte, La última cena ha sido objeto de varias interpretaciones. Algunos, por ejemplo, han visto a María Magdalena en la figura que fue concebida para el joven san Juan el Evangelista, que está sentado a la izquierda de Jesús. A pesar del interés intenso en las figuras de la periferia y en su significado, la estrella de la escena es, por supuesto, Jesús, que presentado de forma triangular en el centro, llama la atención aún más por la precisión perfecta de la perspectiva al fondo, que dirige el ojo irresistiblemente hacia el mismo centro de la pintura. El motivo triangular se repite también con la división marcada del color de la ropa de Jesús y por la organización con que Leonardo dispuso a los apóstoles al separarlos en cuatro grupos distintos. Con sus cuerpos, cada grupo forma algo parecido a un triangulo. Por último, con toda esta actividad y conmoción entre los apóstoles que están gesticulando, Jesús, con ambas manos sobre la mesa, es una visión de inmovilidad, un centro sereno y con pleno conocimiento en medio de una tormenta de ira e incomprensión.
La obra fue muy influyente desde un principio, gracias a un grabado realizado por Marcantonio Raimondi (1480-1534), que fue distribuida por todas partes a los artistas interesados. Desafortunadamente, algo salió mal y la pintura comenzó a desintegrarse antes de que llegara a la década. Esto fue porque Leonardo experimentó con pinturas al óleo y témpera sobre el yeso; usó una técnica no documentada en vez de usar el método familiar y más duradero del fresco «buon» (buen fresco). Esta experimentación dudosa ha sido desde entonces un desafío para los restauradores de La última cena. La pintura mural también sufrió daños en tiempos más recientes. Primero, sin poder explicarlo, una puerta fue introducida en la pared y está metida en la parte inferior de la pintura. Luego, durante la Segunda Guerra Mundial, el edificio fue bombardeado. Afortunadamente, la pintura fue protegida con una muralla de sacos de arena y sobrevivió el bombardeo, pero estuvo expuesta a los elementos hasta que se hicieron las reparaciones debidas al edificio. En el siglo XXI, se llevó a cabo un programa de restauración completa; la obra puede ser visitada por el público, aunque el número de personas está limitado, por lo que es obligatorio hacer reservaciones por adelantado.
Hombre de Vitruvio
Aunque el Hombre de Vitruvio no sea una obra de arte acabada (ni nunca pretendió serlo), el dibujo de Leonardo hecho con tinta sobre papel ha sido tan famoso que se ha convertido en una de las imágenes que más se asocian a su nombre. Mide 34 x 25 centímetros (13,5 x 10 in); fue dibujado alrededor de 1492 y hoy día se encuentra en la Galería de la Academia de Venecia. El nombre de la obra deriva de Marco Vitrubio Potión (c. 90 - c. 20 a. e. c.), el arquitecto romano que como es bien sabido escribió De Architectura, un tratado influyente que combina la historia antigua de la arquitectura e ingeniería con la experiencia personal y los consejos del autor sobre esta materia.
La obra de Vitrubio era popular durante el Renacimiento cuando los artistas volvían a examinar el mundo clásico para buscar ideas e inspiración. En un fragmento en particular, Vitrubio recomienda que las proporciones arquitecturales correctas deriven del estudio de las proporciones del cuerpo humano. El texto describe el cuerpo humano dentro de un círculo y un cuadrado. Varios artistas y arquitectos del Renacimiento, atraídos por la idea de que había una relación misteriosa, o quizás hasta divina, entre las matemáticas, el cuerpo humano y la belleza, trataron de dibujar aquello que Vitrubio solo había descrito en palabras. El Hombre de Vitrubio de Leonardo es uno de esos intentos. El ombligo del hombre es el centro del círculo y las puntas de sus dedos y pies tocan la circunferencia. Una segunda figura masculina, superpuesta sobre la otra, está dispuesta dentro del cuadrado. El dibujo quizás sea una metáfora de la posición de la humanidad en el centro de un universo ordenado, y como tal, se ha convertido en el símbolo que define el Renacimiento y la investigación continua sobre la relación exacta entre la religión, la ciencia y el arte.
