Sandro Botticelli (1445-1510), cuyo nombre real era Alessandro di Mariano Filipepi, fue un artista italiano de principios del Renacimiento. Pintor prolífico, sobre todo de retablos y obras de tema religioso, la obra más famosa de Botticelli en la actualidad es, irónicamente, el mitológico Nacimiento de Venus que se expone en la Galería Uffizi de su Florencia natal. Ampliamente considerado como uno de los más grandes pintores del arte occidental, Botticelli mezcló el color, la forma y la perspectiva para producir obras religiosas y seculares con una poesía visual excepcional. Reinterpretando y entrelazando la imaginería tradicional de la mitología clásica y el arte cristiano, sus cuadros suelen estar abiertos a múltiples interpretaciones.
Juventud
Botticelli nació en Florencia en 1445, con el nombre de Alessandro di Mariano dei Filipepi. Se lo conoció como Botticelli porque ese era el apodo de su hermano mayor Giovanni. La primera experiencia laboral del futuro artista fue como aprendiz de orfebre. De adolescente, Botticelli se formó como pintor en el taller del artista florentino y antiguo monje Filippo Lippi (c. 1406-1469 d. C.), que destacó por sus frescos y retablos (además de fugarse con una monja y tener dos hijos con ella). Otras influencias tempranas en Botticelli proceden del tiempo que pasó con los artistas florentinos Andrea del Verrocchio (c. 1435-1488 d. C.) y los hermanos Antonio (c. 1432-1498 d. C.) y Piero del Pollaiuolo (c. 1441 - c. 1496 d. C.), todos los cuales tenían destacados talleres donde los artistas más jóvenes iban a aprender su oficio. Es probable que Botticelli estuviera en el taller de Verrocchio cuando Leonardo da Vinci (1452-1519 d. C.) estaba allí. El resultado de estos años de formación fue que la obra contemporánea y posterior de Botticelli muestra una preocupación por las figuras gráciles y la captación de detalles ornamentales. Un excelente ejemplo es la Fortaleza de 1470 d. C. (Galería de los Uffizi, Florencia).
Un artista consagrado
El artista era popular y mezclaba las obras públicas con los encargos privados, especialmente para la poderosa familia Médici de Florencia. Para ellos, Botticelli exploró muchos temas de la mitología romana y griega, como la Primavera, actualmente en los Uffizi (véase a continuación). Entre 1480 y 1484, Botticelli realizó quizá su obra más famosa, el Nacimiento de Venus (véase a continuación). No abandonó las obras religiosas y atrajo la admiración del Papa Sixto IV (que sirvió de 1471 a 1484), que encargó a Botticelli la decoración de una parte del interior de la Capilla Sixtina de Roma a principios de la década de 1480. La capilla se benefició de la atención de muchos grandes artistas y a Botticelli se le concedió un espacio en la pared inferior para mostrar escenas del Antiguo Testamento, que incluyen el panel de la Vida de Moisés y una representación notablemente precisa del Arco de Constantino de Roma.
Retratos
Botticelli regresó a Florencia a mediados de la década de 1480, donde tenía un gran taller que producía todo tipo de obras. Las pinturas devocionales privadas del artista fueron especialmente populares. Un ejemplo de este género es la Virgen de la granada (c. 1487 d. C., Uffizi). Al igual que muchos artistas renacentistas de éxito, Botticelli recibía encargos de retratos a menudo. Un ejemplo interesante de este tipo de obras es el retrato de un joven de nombre desconocido que muestra al espectador un gran medallón de oro con el perfil de Cosme el Viejo, miembro de la familia Medici. Estas muestras de apoyo son una muestra de la política de Florencia, donde obviamente se consideraba un buen movimiento profesional hacerse pintar con un apoyo tan evidente a la familia gobernante. El retrato, fechado hacia 1475, se encuentra ahora en la Galería de los Uffizi.
Por último, la habilidad de Botticelli para captar el carácter individual de los rostros puede verse incluso en sus obras compuestas de mayor tamaño, en las que las figuras del fondo destacan como impresionantes retratos por derecho propio. Un excelente ejemplo de esta atención a los detalles del fondo puede verse en su Adoración de los Magos, de hacia 1475 d. C., en los Uffizi. El cuadro es una verdadera galería de miembros prominentes de la familia Médici, mientras que la figura del extremo derecho puede ser incluso el propio Botticelli.
Carrera posterior
En la década de 1490, Botticelli realizó ilustraciones para la sección del Infierno de la obra maestra de Dante Alighieri (1265-1321), la Divina Comedia. También en la década de 1490, Botticelli se vio muy influenciado por las ideas del teólogo y predicador Girolamo Savonarola (1452-1498), que criticaba abiertamente lo que consideraba la decadencia de la moral y el abandono de la religión en Florencia y en otros lugares. Así, Botticelli se inspiró para concentrarse a partir de entonces en la pintura religiosa. La Calumnia de Apeles, de 1498 d. C., cargada de clásicos, y la poderosa y enigmática Natividad Mística, de 1500 d. C., con su mensaje de que los gobernantes deberían prestar atención a los peligros de un mundo secular desconectado, son obras típicas de este periodo (véase a continuación).
Reputación y legado
Botticelli estuvo en constante demanda a lo largo de su carrera y fue reconocido en vida como un genio de la pintura. Técnicamente excelente en captar la anatomía y la perspectiva, además de ser un maestro de todo tipo de colorido, la obra del artista era muy admirada por su efecto general de armonía. Botticelli fue también un maestro en la captación de emociones, como por ejemplo el rostro de María Magdalena en su Lamentación por Cristo Muerto de 1490-2 d. C., que se conserva en la Alte Pinakothek de Múnich.
Otra característica que define su obra a lo largo de su carrera es la suspensión de la incredulidad que se espera del espectador. Las escenas de Botticelli, al jugar con la perspectiva y los planos de visión, adquieren muy a menudo una estética artificial que crea una sensación de ser de otro mundo; efecto totalmente apropiado, dado que sus dos temas principales son o bien historias de la mitología con una importancia alegórica para el presente o bien arte religioso con fines devocionales. Esta ruptura con los confines del arte clásico será igualmente perseguida por los artistas renacentistas posteriores.
Obras maestras
Primavera
La pintura de la Primavera ha desconcertado a los historiadores del arte durante siglos, ya que las opiniones varían mucho sobre su significado exacto. El panel de madera pintado fue quizás encargado por Lorenzo di Pierfrancesco de Médici y completado alrededor de 1482 d. C. Es una obra de gran tamaño, que mide 315 x 203 centímetros. La identidad de la figura central con manto rojo, la presencia de lo que podrían ser las Tres Gracias o las Horas, y la figura de un personaje sombrío que arrastra a una joven en el extremo derecho del cuadro son puntos particulares de debate en cuanto a su significado en relación con cada uno de ellos y con el título de la obra.
La dama central es probablemente Venus, dada la presencia de un cupido sobre ella, pero el halo que rodea su cabeza, formado por los huecos de los arbustos detrás de ella, puede indicar que se trata de la Virgen María o quizás de una amalgama de ambas. Las Tres Gracias de la mitología griega serían una interpretación adecuada del trío danzante, ya que se asocian con Afrodita/Venus y las flores de primavera. La figura fantasmal de color azul oscuro del extremo derecho puede ser una representación del dios del viento Céfiro, que está raptando a la que debe ser la ninfa de la primavera Cloris. La figura del extremo izquierdo recogiendo una naranja podría ser el dios mensajero Hermes/Mercurio, que también representaba la fertilidad. Toda la escena, intencionadamente artificial, parece un tapiz, sobre todo por las flores del primer plano y el bosque de naranjos que hay detrás y encima de las figuras humanas, que no interactúan en absoluto. Una pista adicional sobre el significado del cuadro puede estar en el comisario, que ese año iba a casarse con Semiramide d'Appiano. Tal vez, entonces, el cuadro sea una alegoría del matrimonio y de la luna de miel primaveral que sigue a dicha unión.
El nacimiento de Venus
Pintado a principios de la década de 1480 d. C., el Nacimiento de Venus se ha convertido en una obra de arte icónica, copiada y referenciada en innumerables obras desde entonces. La obra es un temple y óleo sobre lienzo de impresionantes dimensiones: 279 x 175 centímetros. El cuadro representa la historia del nacimiento de Afrodita/Venus de la mitología clásica y, al igual que la Primavera, el Nacimiento de Venus se expone en la Galería de los Uffizi de Florencia.
Toda la escena adquiere un sentido dinámico de movimiento gracias a los vientos céfiros que se inclinan hacia el centro del cuadro, a los cabellos de Venus que soplan hacia la derecha y a la asistente de la diosa (¿una de las Horas?) que se extiende con un manto ondulado. Las numerosas flores que parecen arrojadas al azar por el viento también ayudan a generar este efecto. Además, las figuras están todas en la misma llanura y parecen flotar sobre un fondo marino irreal. Es casi como si Botticelli se propusiera recrear la planicie vista en el único otro lugar donde se conocía entonces tal iconografía: la cerámica griega, romana y etrusca. Es precisamente esta cualidad la que confiere a la obra su efecto de falta de mundo. La postura de Venus y la posición de sus manos, sin embargo, están totalmente tomadas de la escultura griega y romana, la Venus pudica. La obra en su conjunto es, pues, un ejemplo típico del arte renacentista, en el que se exploran y desarrollan temas e imágenes clásicas para crear una interpretación totalmente nueva de la iconografía conocida.
Natividad mística
El Natividad mística es una pintura al temple sobre lienzo que mide 108,5 x 75 centímetros (42,5 x 29,5 pulgadas). El cuadro se encuentra actualmente en la National Gallery de Londres. A primera vista, se trata de un belén tradicional, al menos en su franja central, con pastores y reyes visitando al recién nacido Jesucristo en un establo todo desamparado. Sin embargo, la parte superior e inferior del cuadro son muy diferentes. Los ángeles parecen bailar en un círculo dorado sobre el establo, mientras que debajo hay otros tres ángeles, cada uno abrazando a un hombre. También hay varios demonios que parecen no saber qué hacer entre tanta alegría.
El cuadro está coronado por una inscripción en griego que afirma que Botticelli realizó la obra en el año 1500 d. C. y que está viviendo "el segundo ay del Apocalipsis" (Rundle, 56), una referencia a las sombrías predicciones sobre la desaparición de la humanidad que Savonarola lanzaba desde su púlpito. La sobrecarga de ángeles en el cuadro podría incluso ser una referencia directa a Savonarola, cuyo apodo era "el angélico". Una vez más, Botticelli combina la imaginería tradicional con sus propias ideas para suspender la realidad y dar a su obra múltiples vías de interpretación, una característica clásica de lo mejor del arte renacentista.
