Entrevista: Prerrafaelitas: Renacimiento moderno

Prerrafaelitas: Renacimiento moderno marca la primera exposición multidisciplinaria en Italia para examinar el profundo impacto del arte italiano sobre el Movimiento prerrafaelita, el cual floreció en la Inglaterra victoriana y eduardiana (en torno a 1840 – 1920).

Mostradas a través de los salones sagrados del Museo San Dominico, un convento dominicano del siglo XIII restaurado y situado en Forlì, Italia, hay más de 300 obras de arte, las cuales yuxtaponen y realzan la creatividad revolucionaria y la intensidad de dos épocas artísticas importantes. En esta entrevista exclusiva, James Blake Wiener habla acerca de la exposición con el Sr. Peter Trippi, un cocomisario de la exposición y un experto del arte victoriano.

JBW: Peter, muchas gracias por hablar conmigo e introducirnos a tan bellísima exposición.

Siempre he visto a los artistas prerrafaelitas como rebeldes e innovadores. Su rechazo a la complacencia victoriana y al materialismo industrial, como se refleja en sus obras, conmocionó a segmentos del público británico. Mirando hacia el pasado lejano para encontrar una visión más natural, los prerrafaelitas acogieron con los brazos abiertos aquello que era ordinario, mientras que aplicaban al mismo tiempo innovación a la técnica y al tratamiento de la forma en maneras novedosas.

¿Qué fue lo que hizo la revuelta de la Hermandad prerrafaelita tan duradera y aún así tan profunda en su impacto inmediato?

PT: Las primeras pinturas expuestas por los miembros de la Hermandad prerrafaelita electrificaron a sus contemporáneos a finales de la década de 1840 y principios de la década de 1850 por varias razones. Visualmente, ellos estaban desfasados con todo lo que les rodeaba en las concurridas e importantes exposiciones londinenses: sus colores brillantes sobresalían comparados con los marrones apagados y los grises utilizados por la mayoría de los artistas en ese tiempo; su técnica de delineado y su manejo de la pintura eran precisos en vez de «chapoteados» (el término utilizado para criticar a sus colegas más viejos); sus composiciones eran deliberadamente naífs y a veces hasta chocantes, ya que ignoraban las convenciones respetuosas posteriores a Rafael que promovía la Royal Academy y ellos estaban representando narrativas que eran inesperadamente nobles (tales como la Anunciación a la Virgen María) o apasionadamente espantosas (tales como el antes y después del asesinato de Lorenzo en el poema romántico de John Keats titulado Isabella y la maceta de albahaca). Los espectadores podían ver que estos eran hombres jóvenes con talento y tenían algo nuevo que decir, pero no estaban seguros de qué hacer con eso. No fue hasta el año 1851, cuando el prestigioso crítico John Ruskin salió en su defensa, que el público británico comenzó a aceptar estas innovaciones.

El poder continuo de aquellas innovaciones se demostró en 1986 cuando yo estaba asistiendo a una clase magistral sentado en una aula en la Universidad de St. Andrews en Escocia. Como un estudiante estadounidense en un programa de intercambio, nunca había oído hablar de los prerrafaelitas (quienes en ese entonces eran poco conocidos en los Estados Unidos). Pero me senté erguido en mi silla mientras que sus imágenes brillantemente coloridas, extrañamente compuestas y a menudo eróticas aparecían en la pantalla. 175 años después de su lanzamiento, el poder de la Hermandad prerrafaelita todavía es evidente. Una vez que empieza, la gente no puede dejar de mirar.

JBW: Las muestras más destacadas dentro de la exposición incluyen pinturas y dibujos célebres hechos por los Grandes Maestros italianos, incluidos Botticelli, Lippi, Verrocchio, Miguel Ángel, Veronese, Tiziano y hasta Guido Reni. Estas están yuxtapuestas con las principales obras realizadas por artistas británicos que incluyen a Dante Gabriel Rossetti, John Everett Millais, William Holman Hunt, John Ruskin y J. W. Waterhouse, entre otros. La combinación de los antecesores del Renacimiento italiano con las obras maestras prerrafaelitas les ofrece a los visitantes una rara oportunidad para compararlas y contrastarlas a través del tiempo y del espacio.

¿Qué perspectivas nuevas puede aprender el visitante de los prerrafaelitas como resultado de esta emocionante combinación?

PT: La exposición en Forlì tiene un toque ligero; es casi poética en la manera en que les permite a los Grandes Maestros italianos y a sus admiradores británicos conversar unos con otros en los mismos salones, sin esforzarse por mostrar influencias directas ni replicaciones. Un excelente ejemplo es el salón grande donde se encuentran las pinturas de madurez de Dante Gabriel Rossetti, la mayoría de las cuales muestran a mujeres retratadas en formato de plano medio corto, como si estuvieran sentadas al lado de una ventana. Estas imágenes (de modelos tales como Jane Morris y Fanny Cornforth) se han hecho famosas alrededor del mundo, pero nunca antes las habíamos visto colgadas una junto a la otra, literalmente intercaladas, con madonas, mujeres de la nobleza florentina y cortesanas venecianas a las que respondía Rossetti. Solamente en un país rico en arte como Italia un museo puede hacer esta presentación tan visiblemente. En el Reino Unido, por ejemplo, simplemente no hay suficientes prototipos italianos disponibles para prestarlos a una muestra sobre el arte británico del siglo XIX. Mi cocomisaria Liz Prettejohn y yo sabíamos que esta oportunidad quizás nunca vendría de nuevo y así la pillamos al vuelo. Una vez que los visitantes salen del salón Rossetti, ya no verán su famosa Mujer en la ventana de la misma manera; de repente su trasfondo se aclara.

JBW: Aparte de pinturas y dibujos, esculturas, estampas y fotografías, también están en exposición muebles, cerámica, vidrio, trabajos en metal, tapices, papel pintado para paredes, libros ilustrados y joyería dentro de Prerrafaelitas: Renacimiento moderno.

Muchos artistas prerrafaelitas creían que la manera de producir arte podía dar forma a valores culturales más amplios. ¿Está esto reflejado dentro de la exposición? Y si así fuese, ¿cómo?

PT: Nuestro equipo de curadores estaba dispuesto a mostrar cómo las ideas innovadoras de los prerrafaelitas sobre el poder y el romance del arte del Renacimiento italiano se transmitían no sólo a través de las «bellas artes» (pinturas, esculturas, dibujos y estampas), sino también a través de las artes aplicadas (decorativas). Nosotros invitamos a la Dra. Charlotte Gere, la estudiosa en artes decorativas con base en Londres, para que se uniera al equipo y ella seleccionó la mayor parte de esas obras de arte, principalmente del Museo Victoria y Alberto, del Museo Fitzwilliam y del Museo Británico, y también de otras colecciones en el Reino Unido. Uno de sus objetivos fue mostrar que la «segunda generación» de prerrafaelitas (especialmente Edward Burne-Jones y William Morris) estaba decidida a llevar su estética a ambientes inmersivos que iban desde iglesias hasta los salones‑comedor en el Museo Victoria y Alberto. También crearon objetos de toda clase de materiales que se podían comprar de manera privada, que a menudo eran más bien caros pero no siempre. Para el año 1870, su visión del mundo se había transformado en el movimiento artístico conocido como el Esteticismo (el llamado «Culto a la Belleza»), que impactó en todos los aspectos de la cultura visual en el Reino Unido y, por extensión, su imperio y los Estados Unidos. Los ejemplos más dramáticos de la decoración inmersiva en nuestra muestra son unos inmensos tapices del Santo Grial diseñados en la década de 1890 por Edward Burne-Jones y tejidos a mano por un equipo de William Morris para el salón señorial cerca de Londres de un coleccionista acomodado.

JBW: Además, Prerrafaelitas: Renacimiento moderno explora las contribuciones importantes y muchas veces ignoradas hechas por artistas consumadas en pro del Movimiento prerrafaelita.

¿Qué puede decirnos sobre estos talentos victorianos y cómo se diferencian ellas de sus colegas varones dentro de la muestra?

PT: Nos complace tener a 15 artistas representadas en nuestra exposición por medio de 26 obras distintas. En el orden de aparición, son: Elizabeth Siddal, Christina Rossetti, Maria Rossetti, Eliza Jameson Strutt, Evelyn De Morgan, Christiana Jane Herringham, Constance Phillott, Maria Cassavetti Zambaco, Marie Spartali Stillman, Julia Margaret Cameron, Beatrice Parsons, Marianne Stokes, Phoebe Anna Traquair, Eleanor Fortescue-Brickdale y May Cooksey. A lo largo del pasado cuarto de siglo, los estudiosos han demostrado que las mujeres estaban completamente involucradas en el movimiento prerrafaelita mientras que este evolucionaba con el tiempo, pero por lo general, sus historias han sido ignoradas y aun borradas por las generaciones posteriores. Esa injusticia ciertamente no es única en la historia del arte, pero es tiempo de rectificarla y estuvimos encantados de que se aprobaran tantos préstamos relevantes.

Algunas de estas mujeres han sido estudiadas exhaustivamente (tales como la esposa y colaboradora de Dante Gabriel Rossetti, Elizabeth Siddal), mientras que todavía hay que investigar otras (tales como la enigmática May Cooksey). Hemos distribuido sus obras a través de la muestra en vez de ponerlas en un «gueto» femenino y estamos especialmente orgullosos de tener seis ejemplos importantes de obras hechas en la madurez de Evelyn De Morgan. Sus padres querían que se casara con un hombre rico y que comenzara una familia, pero con la ayuda de su tío artista J. R. Spencer Stanhope (también en nuestra muestra), continuó formalmente su formación artística y finalmente expuso sus enormes lienzos simbolistas en la prestigiosa Galería Grosvenor de Londres junto a sus estelares colegas varones, tales como Edward Burne-Jones. Yo podría afirmar que sobrepasó a su tío en calidad y en ambición.

JBW: Estuve intrigado al saber que con el tiempo, los prerrafaelitas y sus admiradores cambiaron su atención a otros períodos en el arte italiano, incluyendo el arte veneciano del siglo XVI.

¿Puede decirnos más sobre este cambio de atención y cómo se revela esto dentro de la exposición?

PT: Como el período que estamos estudiando es tan largo (desde la década de 1840 hasta la década de 1920) es inevitable que los artistas británicos cambiaran en sus predilecciones por el arte italiano. Al principio, los hermanos prerrafaelitas tenían poco arte original italiano para estudiarlo en persona en Londres, así que consultaban estampas y libros ilustrados. Uno de sus héroes fue Fra Angelico, no sólo por sus composiciones y manejo aparentemente naífs (al menos en comparación con Rafael), sino también porque era un monje (un hombre de fe que expresaba su devoción por medio del arte), algo que los hermanos sintieron que faltaba en el arte británico de la década de 1840. Nuestra cocomisaria Cristina Acidini (antigua directora de los Museos de Florencia) seleccionó un Angelico espléndido, que ahora está en exhibición en un extremo de la inmensa iglesia que sirve como primera galería de nuestra exposición. Al otro lado, puso la famosa pintura Palas y el centauro de Botticelli para que estén frente a frente. Esta es una yuxtaposición brillante y muy poética; en 1848, cuando la Hermandad hizo su lanzamiento, absolutamente nadie hablaba de Botticelli. Para la década de 1870 (en gran medida gracias a los estudiosos y coleccionistas británicos que estaban interesándose por él), Botticelli hacía furor e influyó particularmente en Edward Burne-Jones, cuyos tapices del Santo Grial se muestran justo después del Palas y el centauro.

Tenemos muchos momentos de transición como estos a través de la exposición. La galería dedicada a Frederic Leighton es un ejemplo clave, con su inserción de Lotto, Veronese y Reni (¡un trío dispar de héroes!). Una vez más, tal lista de préstamos solamente podía acontecer en un país rico en arte como Italia. Ningún museo británico o estadounidense podría suministrar estos prototipos en tales cantidades y calidad.

JBW: Podemos decir que el convento, por sí mismo, es otra estrella de la exposición.

¿Cómo se escogió como el local para Prerrafaelitas: Renacimiento moderno y por qué es perfecto para poner en exposición las obras maestras prerrafaelitas y del Renacimiento?

PT: No fue hasta 2021 que el director Dr. Gianfranco Brunelli concibió este tema como extensión lógica de las series de magníficas exposiciones de préstamos que ha estado montando el Museo San Domenico. (La mayoría de ellas se han enfocado en el arte italiano y continental, incluidos maestros específicos y temas como María Magdalena. Esta es la primera que abarca el arte británico.) Brunelli trajo a Cristina Acidini (a la que ya hemos mencionado) y a Francesco Parisi (un investigador independiente con base en Roma) y después a Liz Prettejohn y a mí. En el 2022 comenzamos a solicitar préstamos de museos y de individuos alrededor del mundo y para febrero de 2024, ¡estábamos inaugurando la exposición! Comparativamente, es un proceso de desarrollo rápido y creo que una de la razones por la que funcionó tan bien es que muchos de los prestatarios estaban intrigados por la idea de que sus obras de arte hechas por británicos e inspiradas por italianos se mostrarían en Italia al público moderno italiano.

Este tema ya se había tratado previamente en varias exposiciones (por ejemplo, Londres o San Francisco), pero con tan solo unos pocos prototipos del Renacimiento en exposición (nunca tantos como los que tenemos ahora). Además, el hecho de que el Museo San Domenico sea un monasterio medieval renovado, le añade una fuerza visual y un significado a la experiencia del visitante; esto se nota especialmente en el antiguo refectorio que ahora está dedicado a Edward Burne-Jones. En muchas de sus pinturas vemos volutas de follaje que tomó prestadas del arte del Renacimiento y arriba, en los techos pintados en el Medievo, están las mismas formas de volutas. Las paredes exteriores están cubiertas del arte de Burne-Jones, mientras que el centro del salón representa prototipos importantes hechos por precursores tales como Bellini, Mantegna y Miguel Ángel.

JBW: Muchos lectores pueden estar de acuerdo conmigo en que los artistas prerrafaelitas siguen siendo convincentemente irresistibles gracias a la exuberancia, al naturalismo y a la luminosidad que se encuentra en sus obras. El romance de los prerrafaelitas con el arte del Renacimiento italiano les permitió impulsar la innovación dentro de la creación artística.

Entonces, ¿cuál es el legado de los prerrafaelitas? Por otra parte, ¿por qué piensa que los visitantes vienen a ver la exposición?

PT: Creo que hoy día muchos museos subestiman la habilidad del visitante para conectar los puntos visuales por ellos mismos. A nosotros nos suelen «dar en bandeja» argumentos curatoriales porque nuestro conocimiento de la historia del arte es tan escaso y eso está bien porque es mejor hacer esto que parecer exclusivos e intimidantes. Sin embargo, en Italia a todos los alumnos de las escuelas primarias públicas o privadas les enseñan historia del arte y artes plásticas (y esto continúa hasta la secundaria). Y, por supuesto, están literalmente rodeados del arte del Renacimiento italiano, el cual ven no sólo dentro de las iglesias y museos, sino también en espacios públicos tales como piazzas. Esto significa que los visitantes en Forlì (95% de los cuales son italianos) están ya familiarizados con el arte del Renacimiento italiano en exposición y por lo tanto, les entusiasma aprender sobre los artistas británicos que lo reverenciaron y lo adaptaron para sus propios propósitos.

La respuesta que estamos recibiendo (a través de los medios de comunicación italianos y de las conversaciones que ocurren dentro de las galerías de exposición) es una sorpresa (por ejemplo, «¿Cómo no supimos antes sobre estos artistas geniales?») y también respeto mutuo: esta es una exposición sobre un amor profundo y una admiración que los artistas británicos sintieron por Italia y en el último salón hemos mostrado ejemplos de cómo los artistas italianos de finales del siglo XIX integraron métodos británicos en sus propias obras.

Esperamos que todos nuestros visitantes escojan conocer más (quizás yendo a visitar colecciones importantes de arte prerrafaelita en locales tales como el Tate Britain y el Museo y Galería de Arte de Birmingham) y en último término vean cómo la imaginería y las ideas viajaron a través de épocas y lugares que aparentemente son dispares. Los artistas juegan un papel especial en la sociedad al trascender barreras superficiales y viendo (realmente viendo) las creaciones de sus colegas con respeto y entendimiento.

JBW: Peter, en nombre de World History Encyclopedia, le agradezco mucho por haber compartido su conocimiento con nosotros. Le doy las gracias por su tiempo, consideración y conocimiento especializado.

PT: Gracias a usted por tomarse el tiempo de preguntar sobre estas cuestiones importantes.

Prerrafaelitas: Renacimiento moderno permanece en exposición en el Museo San Domenico, Piazza Guido da Montefeltro, en Forlì, Italia, hasta el 30 de junio de 2024.

Peter Trippi es el jefe de redacción de Fine Art Connoisseur, la revista nacional que sirve a coleccionistas de arte realista contemporáneo o histórico, y presidente de Projects in 19th-Century Art, una compañía que estableció para realizar investigaciones, escritos y buscar oportunidades curatoriales. Con base en Nueva York, Peter recientemente completó un término de seis años como presidente de la Foundation for Advancement in Conservation, la sociedad líder en el país de profesionales para la conservación y la preservación. Anteriormente, Peter fue el director del Dahesh Museum of Art (en la ciudad de Nueva York), fue el jefe de los equipos de desarrollo en el Brooklyn Museum y en el Baltimore Museum of Art y ha creado (con la profesora Liz Prettejohn, Universidad de York) exposiciones internacionales itinerantes y publicaciones dedicadas a J.W. Waterhouse y Lawrence Alma-Tadema, pintores británicos del siglo XIX. Su proyecto curatorial más reciente es la exposición Prerrafaelitas: Renacimiento Moderno que está abierta al público en Forlì (cerca de Bolonia, Italia) hasta el 30 de junio. La muestra está acompañada de un catálogo de 600 páginas en italiano.