Les Romains contrôlèrent un empire si vaste pendant une si longue période qu'un résumé de l'art produit à cette époque ne peut être que bref et sélectif. Cependant, les plus grands points de distinction de l'art romain sont peut-être sa diversité même, l'intégration des tendances artistiques passées et présentes de tous les coins de l'empire et la promotion de l'art à un tel point qu'il devint plus largement produit et plus facilement disponible que jamais auparavant. Dans quelle autre civilisation antique aurait-il été possible pour un ancien esclave de commander son portrait en buste ? Les artistes romains copiaient, imitaient et innovaient pour produire de l'art à grande échelle, parfois au détriment de la qualité, mais parfois en dépassant de loin le savoir-faire de leurs prédécesseurs. Tout matériau était susceptible d'être transformé en objet d'art. Consigner les événements historiques sans les encombrer de symboles et de métaphores mythologiques devint une obsession. Immortaliser un mécène privé dans l'art était une commande courante pour les artistes. La peinture visait à capturer fidèlement les paysages, les villes et les sujets les plus triviaux de la vie quotidienne. Le réalisme devint l'idéal et la culture de la connaissance et de l'appréciation de l'art en soi devint un objectif digne d'intérêt. Telles furent les réalisations de l'art romain.
L'art pour tous : La contribution de Rome
L'art romain a souffert d'une certaine crise de réputation depuis la redécouverte et l'appréciation de l'art grec ancien à partir du 17e siècle. Lorsque les critiques d'art se sont également rendu compte que nombre des plus belles pièces romaines étaient en fait des copies ou, du moins, s'inspiraient d'originaux grecs plus anciens et souvent perdus, l'appréciation de l'art romain, qui avait prospéré en même temps que tout ce qui était romain au Moyen Âge et à la Renaissance, a commencé à décliner. Un autre problème de l'art romain est la définition même de ce qu'il est. Contrairement à l'art grec, la vaste géographie de l'empire romain donna lieu à des approches très différentes de l'art selon les endroits. Bien que Rome soit longtemps restée le point central, il existait plusieurs centres de production artistique importants qui suivaient leurs propres tendances et goûts, notamment à Alexandrie, Antioche et Athènes. En conséquence, certains critiques ont même affirmé qu'il n'existait pas d'art "romain".
Plus récemment, une vision plus équilibrée de l'art romain et une vision plus large fournie par les succès de l'archéologie ont permis de réévaluer l'art des Romains et de mieux reconnaître sa contribution à l'art occidental en général. Même ceux qui pensent que l'art grec classique était le zénith de l'activité artistique en Occident ou que les Romains n'ont fait que fusionner le meilleur de l'art grec et étrusque doivent admettre que l'art romain n'est rien d'autre qu'éclectique. Héritant du monde hellénistique forgé par les conquêtes d'Alexandre le Grand, avec un empire couvrant un spectre extrêmement diversifié de cultures et de peuples, leur propre appréciation du passé et des idées sur la meilleure façon de commémorer les événements et les personnes, les Romains produisirent de l'art sous un vaste éventail de formes. Les sceaux, les bijoux, la verrerie, les mosaïques, la poterie, les fresques, les statues, l'architecture monumentale, et même l'épigraphie et les pièces de monnaie furent tous utilisés pour embellir le monde romain et pour transmettre des messages allant des prouesses militaires aux modes esthétiques.
Des œuvres d'art étaient volées aux villes conquises et ramenées pour être appréciées par le public, des artistes étrangers étaient employés dans les villes romaines, des écoles d'art étaient créées dans tout l'empire, des développements techniques étaient réalisés et des ateliers apparaissaient partout. La demande d'œuvres d'art était telle que des chaînes de production d'objets standardisés et produits en série remplirent l'empire d'art. Et voici un autre facteur en faveur de Rome : la quantité d'œuvres d'art qui subsistent. Des sites comme Pompéi, en particulier, donnent un aperçu rare de la façon dont les œuvres d'art romaines étaient utilisées et combinées pour enrichir la vie quotidienne des citoyens. L'art lui-même devint plus personnalisé, avec une forte augmentation des mécènes privés par rapport aux commanditaires étatiques. La création de portraits réalistes de particuliers dans les peintures et les sculptures en est la preuve la plus évidente. Comme aucune autre civilisation avant elle, l'art devint accessible non seulement aux plus riches mais aussi aux classes moyennes inférieures.
Principales formes d'art
La sculpture romaine mêle la perfection idéalisée de la sculpture grecque classique antérieure à une plus grande aspiration au réalisme et mélange les styles prévalant dans l'art oriental. Les sculpteurs romains ont également, avec leurs copies populaires de chefs-d'œuvre grecs antérieurs, préservé pour la postérité des œuvres inestimables qui auraient autrement été complètement perdues pour l'art mondial.
Les Romains privilégiaient le bronze et le marbre pour leurs plus belles œuvres. Cependant, comme le métal a souvent été réutilisé, la plupart des exemples de sculpture romaine qui subsistent sont en marbre. Le goût des Romains pour la sculpture grecque et hellénistique signifiait qu'une fois l'approvisionnement en pièces originales épuisé, les sculpteurs devaient réaliser des copies dont la qualité pouvait varier en fonction des compétences du sculpteur. En effet, il existait à Athènes et à Rome même une école spécialisée dans la copie de célèbres originaux grecs. Les sculpteurs romains produisaient également des copies miniaturisées des originaux grecs, souvent en bronze, qui étaient collectionnées par les amateurs d'art et exposées dans des vitrines à la maison.
La sculpture romaine a cependant commencé à chercher de nouvelles voies d'expression artistique, s'éloignant de ses racines étrusques et grecques, et, au milieu du Ier siècle de notre ère, les artistes romains ont cherché à capturer et à créer des effets optiques d'ombre et de lumière pour un plus grand réalisme. Le réalisme de la sculpture de portrait et de l'art funéraire romains pourrait bien être né de la tradition consistant à conserver dans la maison ancestrale des masques funéraires réalistes en cire représentant les membres de la famille décédés. Transférés sur la pierre, nous avons alors de nombreux exemples de bustes de portraits privés qui présentent parfois le sujet comme vieux, ridé, cicatrisé ou flasque; en bref, ces portraits disent la vérité. Dans l'Antiquité tardive, on assiste même à une évolution vers l'impressionnisme, avec des jeux de lumière et des formes abstraites. La sculpture devient également plus monumentale, avec des statues massives et plus grandes que nature d'empereurs, de dieux et de héros, comme l'immense statue en bronze de Marc Aurèle à cheval, qui se trouve actuellement au musée du Capitole, à Rome. Vers la fin de l'Empire, la sculpture des figures tend à manquer de proportion, les têtes surtout sont agrandies, et les figures sont le plus souvent présentées plus plates et de face, ce qui témoigne de l'influence de l'art oriental.
La sculpture sur les bâtiments et les autels romains pouvait être simplement décorative ou avoir un but plus politique. Par exemple, sur les arcs de triomphe, la sculpture architecturale capturait en détail les événements clés de la campagne, ce qui renforçait le message selon lequel l'empereur était un agent victorieux et civilisateur à travers le monde connu. Un exemple typique est l'arc de Constantin à Rome (vers 315 de notre ère), qui montre également des "barbares" vaincus et réduits en esclavage afin de renforcer le message de la supériorité de Rome. Cette représentation de personnages réels et de figures historiques spécifiques dans la sculpture architecturale contraste fortement avec la sculpture grecque, où les grandes victoires militaires étaient généralement présentées sous forme de métaphores, en utilisant des figures de la mythologie grecque comme les amazones et les centaures, comme sur le Parthénon. Les autels pouvaient également être utilisés pour présenter des personnages importants sous un jour favorable. L'autel le plus célèbre de tous est l'Ara Pacis d'Auguste (achevé en 9 avant J.-C.) à Rome, un énorme bloc de maçonnerie qui représente des spectateurs et des participants à une procession religieuse. On a l'impression que les personnages ont été saisis en un seul instant comme sur une photographie : un enfant enfile une toge, la sœur d'Auguste dit à deux bavards de se taire, etc.
L'intérieur des bâtiments romains de tous types était très souvent somptueusement décoré à l'aide de couleurs et de motifs audacieux. Les peintures murales, les fresques et l'utilisation du stuc pour créer des effets de relief étaient toutes couramment utilisées au 1er siècle avant J.-C. dans les bâtiments publics, les maisons privées, les temples, les tombes et même les structures militaires du monde romain. Les dessins pouvaient aller de détails réalistes complexes à des rendus très impressionnistes qui couvraient souvent tout l'espace mural disponible, y compris le plafond.
Les peintres muraux romains (ou peut-être leurs clients) préféraient les couleurs naturelles de la terre, comme les tons foncés de rouge, de jaune et de brun. Les pigments bleus et noirs étaient également populaires pour les motifs plus simples, mais les preuves recueillies dans un atelier de peinture de Pompéi montrent qu'une large gamme de nuances de couleurs était disponible. Les sujets pouvaient être des portraits, des scènes de la mythologie, de l'architecture en trompe-l'œil, de la flore, de la faune et même des jardins entiers, des paysages et des paysages urbains pour créer des panoramas spectaculaires à 360° qui transportaient le spectateur des limites d'une petite pièce au monde illimité de l'imagination du peintre. Un exemple remarquable est la Maison de Livia sur la colline du Palatin à Rome, datant du 1er siècle avant J.-C., qui comprend un panorama à 360° d'un jardin rendu de manière impressionniste. La scène fait le tour d'une pièce et ignore complètement les coins. Un autre exemple splendide est la villa privée du Ier siècle de notre ère connue sous le nom de Maison des Vettii à Pompéi.
Au fur et à mesure du développement de cette forme d'art, les scènes uniques de plus grande envergure, présentant des personnages plus grands que nature, sont devenues plus courantes. Au IIIe siècle de notre ère, l'une des meilleures sources de peintures murales provient des catacombes chrétiennes, où des scènes de l'Ancien et du Nouveau Testament ont été peintes.
Les mosaïques romaines étaient un élément commun des maisons privées et des bâtiments publics dans tout l'empire, d'Afrique à Antioche. Les mosaïques, également connues sous le nom d'opus tessellatum, étaient constituées de petits carrés noirs, blancs et colorés de marbre, de tuiles, de verre, de poterie, de pierre ou de coquillages. En général, chaque pièce mesurait entre 0,5 et 1,5 cm, mais les détails les plus fins, notamment dans le panneau central (emblemata), étaient souvent réalisés à l'aide de pièces encore plus petites, d'une taille de 1 mm seulement. Les motifs utilisaient un large éventail de couleurs, avec des joints de couleur assortis aux tesselles environnantes. Ce type particulier de mosaïque, qui utilisait des couleurs et des ombres sophistiquées pour créer un effet similaire à celui d'une peinture, est connu sous le nom d'opus vermiculatum, et l'un de ses plus grands artisans était Sorus de Pergame (150-100 avant J.-C.) dont le travail, en particulier sa mosaïque de colombes en train de boire, a été très copié pendant des siècles.
Les sujets populaires comprenaient des scènes de la mythologie, des combats de gladiateurs, des sports, l'agriculture, la chasse, la nourriture, la flore et la faune, et parfois même les Romains eux-mêmes étaient représentés dans des portraits détaillés et réalistes. L'une des mosaïques romaines les plus célèbres aujourd'hui est celle de la Maison du Faune, à Pompéi, qui représente Alexandre le Grand chevauchant Bucéphale et affrontant Darius III sur son char de guerre. Les sols, mais aussi les voûtes, les colonnes et les fontaines étaient décorés de motifs en mosaïque.
Les mosaïstes romains ont développé leurs propres styles, et des écoles de production se sont formées dans tout l'empire pour cultiver leurs préférences particulières - scènes de chasse à grande échelle et tentatives de perspective dans les provinces africaines, végétation impressionniste et observateur au premier plan dans les mosaïques d'Antioche, ou la préférence européenne pour les panneaux de figures, par exemple. En Italie même, le style romain dominant (mais non exclusif) n'utilisait que des tesselles noires et blanches, un goût qui a survécu jusqu'au IIIe siècle de notre ère et qui était le plus souvent utilisé pour représenter des motifs marins, surtout lorsqu'il s'agissait de thermes romains. Au fil du temps, les mosaïques sont devenues de plus en plus réalistes dans leur représentation des figures humaines, et les portraits précis et détaillés sont devenus plus courants. Pendant ce temps, dans la partie orientale de l'empire et en particulier à Antioche, le IVe siècle de notre ère a vu la diffusion de mosaïques utilisant des motifs bidimensionnels et répétés pour créer un effet de "tapis", un style qui influencera fortement les églises chrétiennes et les synagogues juives plus tard.
Arts mineurs
Les arts mineurs de la Rome antique étaient vastes et variés, illustrant dans de nombreux cas l'amour des Romains pour les matériaux précieux finement travaillés, avec des détails et des motifs souvent miniaturisés. Ils comprenaient des bijoux de toutes sortes, de petits bustes en or, des objets en argent tels que des miroirs, des tasses, des assiettes, des figurines, etc., des pierres précieuses taillées et gravées, des camées en sardonyx, des sceaux, des récipients et des ornements en verre taillé, des récipients en bronze incrusté, doré ou émaillé, des ivoires sculptés et gravés, des poteries finement décorées, des plaques destinées à être ajoutées à des meubles, des éléments d'uniformes militaires et d'armes, des médaillons, des pièces de monnaie, des lampes à huile en terre cuite, des tissus en pourpre de Tyrie brodés et des livres illustrés. Les sujets de décoration comprenaient la famille impériale, des particuliers, la mythologie, la nature et des motifs standard tels que les formes géométriques, les feuilles d'acanthe, les vignes, les méandres, les rosettes et les svastikas. Les œuvres sont souvent signées par l'artisan, qui pouvait être étranger ou romain.
Les objets d'argenterie et les pierres précieuses sculptées étaient particulièrement appréciés et fréquemment collectionnés par les Romains qui pouvaient se les offrir. Conservés à la maison, ils étaient sans doute montrés aux visiteurs admiratifs et servaient de sujets de conversation. L'amour des Romains pour les détails complexes et les minuscules gravures sur les pierres précieuses va à l'encontre de l'idée traditionnelle selon laquelle l'art romain était préoccupé par tout ce qui était massif et inélégant. Les chevalières, symbole de la fierté familiale et méthode importante de signature avec les pierres à cacheter, étaient, comme les pierres précieuses, sculptées à l'aide de petits forets munis d'une pointe de diamant ou d'une molette que l'on faisait tourner à l'aide d'un arc horizontal sur la tige. La cornaline et l'onyx semblent avoir été les matériaux de prédilection pour les objets plus fonctionnels, mais les saphirs et l'aigue-marine figurent parmi les pierres les plus précieuses que les Romains importaient de pays aussi lointains que l'Inde.
Les bijoutiers romains étaient particulièrement habiles dans leur métier. S'inspirant de ceux qui les avaient précédés, ils utilisaient toute la gamme des techniques de travail du métal, telles que la dorure, la granulation, la repousse, l'incrustation, l'ajourage, etc. Les bagues, colliers, bracelets, broches, boucles, boucles d'oreilles, pendentifs, bracelets de cheville et filets à cheveux étaient tous fabriqués en métaux précieux, souvent avec des détails et un savoir-faire extraordinaires. Au fil du temps, les bijoux sont généralement devenus plus lourds et plus voyants et n'étaient en aucun cas limités aux vêtements féminins.
Héritage
À bien des égards, les Romains ont poursuivi et perpétué les arts des civilisations antérieures, mais comme le résume ici l'historien de l'art Martin Henig, leurs efforts artistiques ont abouti à bien plus que cela :
Les réalisations romaines... démentent totalement la réputation de philistin qui a été populairement attribuée à la Rome antique. Héritant des traditions grecques, les artisans romains ont continué à innover, et leurs œuvres ne cessent de nous étonner par la délicatesse de leurs formes. (Henig, 165)
Parmi les contributions de l'art romain au développement général de l'art occidental, on peut citer la volonté d'enregistrer des événements historiques réels, des peintures murales de différents styles qui capturent l'architecture de l'époque, des vues naturelles ou des natures mortes - y compris des personnes et des objets ordinaires rarement représentés auparavant dans l'art - et le portrait réaliste d'humbles citoyens. Aucun de ces éléments n'était totalement nouveau dans l'art, mais les Romains, comme dans tant d'autres domaines, ont poussé les possibilités d'une idée jusqu'à ses limites et au-delà.
À la fin de la période romaine, de nouvelles idées artistiques se développèrent et continueraient à le faire, mais l'art romain aurait un effet durable sur tous ceux qui suivraient, notamment dans l'art chrétien médiéval et les dessins sur les manuscrits. Cependant, leur plus grande contribution à l'art mondial a peut-être été d'encourager l'idée que l'appréciation de l'arten soi était une bonne chose et que la possession d'objets d'art ou même d'une collection était un véritable signe de sophistication culturelle. En outre, même pour ceux qui n'avaient pas les moyens de s'offrir des œuvres d'art, il existait des galeries d'art publiques. L'art n'était plus le domaine exclusif des riches, l'art était pour tout le monde. Les Romains, comme aucune autre culture avant eux, étaient les champions de l'art en tant que moyen populaire, abordable et accessible d'exprimer et de communiquer l'esprit humain.
