L'art byzantin (du IVe au XVe siècle) se caractérise généralement par un éloignement du naturalisme de la tradition classique au profit de l'abstraction et de l'universalité. Il y a une nette préférence pour les représentations bidimensionnelles et les œuvres contenant un message religieux prédominent. Cependant, au 12e siècle, l'art byzantin est devenu beaucoup plus expressif et imaginatif et, bien que de nombreux sujets soient recyclés à l'infini, il existe des différences dans les détails tout au long de la période. S'il est vrai que la grande majorité des œuvres d'art qui subsistent sont de nature religieuse, cela peut être le résultat d'une sélection opérée au cours des siècles suivants, car il existe de nombreuses références à l'art profane dans les sources byzantines et des sujets païens à l'iconographie classique ont continué à être produits jusqu'au Xe siècle et au-delà. En utilisant des pierres brillantes, des mosaïques en or, des peintures murales vivantes, de l'ivoire sculpté de manière complexe et des métaux précieux en général, les artistes byzantins ont tout embelli, des bâtiments aux livres, et leur héritage le plus important et le plus durable est sans aucun doute les icônes qui continuent à décorer les églises chrétiennes du monde entier.
Influences
Byzance étant la branche orientale de l'Empire romain dans sa première phase, il n'est pas surprenant qu'une forte influence romaine, ou plus précisément classique, prédomine dans la production byzantine. La tradition romaine de collectionner, d'apprécier et d'exposer en privé des œuvres d'art antiques se perpétua également dans les classes les plus aisées de Byzance. L'art byzantin est à la fois immuable et évolutif, des thèmes tels que les traditions classiques et les scènes religieuses conventionnelles furent retravaillés siècle après siècle, mais en même temps, un examen plus attentif des œuvres individuelles révèle les détails d'une approche de l'art en constante évolution. À l'instar du cinéma moderne qui reprend régulièrement une histoire familière avec les mêmes décors et les mêmes personnages, les artistes byzantins travaillaient dans les limites de la fonction finale de leur œuvre pour choisir la meilleure façon de présenter un sujet, ce qu'il fallait ajouter ou omettre des nouvelles influences qui se présentaient, et, à la fin de la période, pour personnaliser leur travail comme jamais auparavant.
Il est peut-être important de rappeler que l'Empire byzantin était beaucoup plus grec que romain à bien des égards et que l'art hellénistique continua à exercer une influence, notamment l'idée de naturalisme. En même temps, l'étendue géographique de l'empire avait aussi ses implications pour l'art. À Alexandrie, le style copte, plus rigide (et pour certains, moins élégant), prit son essor à partir du VIe siècle, remplaçant le style hellénistique prédominant. Les couleurs en demi-teinte sont évitées et les couleurs vives sont privilégiées, tandis que les figures sont plus trapues et moins réalistes. Une autre zone d'influence artistique était Antioche, où le style "orientalisant" fut adopté, c'est-à-dire l'assimilation de motifs de l'art perse et d'Asie centrale tels que les rubans, l'arbre de vie, les têtes de bélier et les créatures à deux ailes, ainsi que les portraits frontaux qui apparaissent dans l'art de Syrie. À son tour, l'art de ces grandes villes influencerait celui produit à Constantinople, qui deviendrait le centre d'une industrie artistique qui diffuserait ses œuvres, ses méthodes et ses idées dans tout l'Empire.
L'Empire byzantin n'a cessé de s'étendre et de se rétrécir au fil des siècles, et cette géographie a influencé l'art, les nouvelles idées devenant plus facilement accessibles au fil du temps. Les idées et les objets d'art étaient continuellement diffusés entre les cultures par le biais des cadeaux royaux offerts aux autres souverains, des ambassades diplomatiques, des missions religieuses et des riches voyageurs acheteurs de souvenirs, sans oublier le mouvement des artistes eux-mêmes. À partir du début du XIIIe siècle, par exemple, Byzance fut influencée par des contacts beaucoup plus nombreux avec l'Europe occidentale, tout comme elle l'avait été lorsque les Byzantins étaient plus présents en Italie au cours du IXe siècle. L'influence s'est bien sûr exercée dans l'autre sens, de sorte que les idées artistiques byzantines se sont répandues, notamment à partir d'avant-postes tels que la Sicile et la Crète, d'où l'iconographie byzantine allait influencer l'art de la Renaissance italienne. De même, dans le nord-est, l'art byzantin a influencé des régions comme l'Arménie, la Géorgie et la Russie. Enfin, l'art byzantin est toujours très vivant en tant que tradition forte au sein de l'art orthodoxe.
Artistes
Dans l'Empire byzantin, il n'y avait pas ou peu de distinction entre l'artiste et l'artisan, tous deux créant de beaux objets dans un but précis, qu'il s'agisse d'une boîte pour conserver un bien précieux ou d'une icône pour susciter des sentiments de piété et de révérence. Certains titres de fonction que nous connaissons sont zographos et historiographos (peintre), maistor (maître) et ktistes (créateur). En outre, de nombreux artistes, notamment ceux qui créaient des manuscrits illustrés, étaient des prêtres ou des moines. Rien ne prouve que les artistes n'étaient pas des femmes, bien qu'il soit probable qu'elles se soient spécialisées dans les textiles et les soies imprimées. Les sculpteurs, les ivoiriers et les émailleurs étaient des spécialistes qui avaient acquis des années de formation, mais dans les autres formes d'art, il était courant qu'un même artiste produise des manuscrits, des icônes, des mosaïques et des peintures murales.
Il était rare qu'un artiste signe son œuvre avant le XIIIe siècle, ce qui peut refléter un manque de statut social pour l'artiste, ou le fait que les œuvres étaient créées par des équipes d'artistes, ou encore le fait qu'une telle personnalisation de l'œuvre était considérée comme nuisant à son objectif, en particulier dans l'art religieux. Les artistes étaient soutenus par des mécènes qui leur commandaient des œuvres, notamment les empereurs et les monastères, mais aussi de nombreux particuliers, dont des femmes, en particulier des veuves.
Fresques et peintures
L'art chrétien byzantin avait le triple objectif d'embellir un bâtiment, d'instruire les analphabètes sur des questions vitales pour le bien-être de leur âme et d'encourager les fidèles à être sur la bonne voie du salut. C'est pourquoi l'intérieur des églises byzantines était couvert de peintures et de mosaïques. La grande basilique chrétienne, avec ses hauts plafonds et ses longs murs latéraux, constituait un support idéal pour transmettre des messages visuels à la congrégation, mais même les sanctuaires les plus humbles étaient souvent décorés d'une abondance de fresques. Les sujets étaient nécessairement limités - les événements et les personnages clés de la Bible - et même leur positionnement est devenu conventionnel. Une représentation de Jésus-Christ occupait généralement la coupole centrale, le tonneau de la coupole comportait les prophètes, les évangélistes apparaissaient sur les joints entre la voûte et la coupole, dans le sanctuaire se trouvait la Vierge à l'enfant, et les murs présentaient des scènes du Nouveau Testament et de la vie des saints.
Outre les murs et les coupoles, les petits panneaux de bois peints étaient un autre support populaire, surtout à la fin de l'Empire. Les sources littéraires décrivent de petits portraits portatifs commandés par un large éventail de personnes, des évêques aux actrices. Les peintures pour les manuscrits étaient également un débouché apprécié pour les compétences en matière de peinture, et elles couvrent à la fois des sujets religieux et des événements historiques tels que des couronnements et des batailles célèbres.
Les peintures murales de 1164 à Nerezi, en Macédoine, sont de bons exemples du style plus expressif et humaniste qui prévaut à partir du 12e siècle. Montrant des scènes de la croix, elles capturent le désespoir des protagonistes. À partir du XIIIe siècle, les individus sont peints avec personnalité et le souci du détail est plus marqué. La Sainte-Sophie de Trabzon (Trébizonde) possède des galeries entières de ces peintures, datées d'environ 1260, dont les sujets semblent avoir été inspirés par des modèles réels. On constate également une utilisation plus audacieuse de la couleur à des fins d'effet. Un bon exemple est l'utilisation des bleus dans La Transfiguration, une peinture de manuscrit dans les œuvres théologiques de Jean VI Cantacuzène, réalisée entre 1370 et 1375 et aujourd'hui conservée à la Bibliothèque nationale de Paris. À plus grande échelle, cette combinaison de couleurs vives et de détails fins est particulièrement visible dans les peintures murales des différentes églises byzantines de Mistra en Grèce.
Icônes
Les icônes - représentations de personnages saints - ont été créées à partir du IIIe siècle pour être vénérées par les chrétiens byzantins. On les retrouve le plus souvent dans les mosaïques, les peintures murales et les petites œuvres d'art en bois, métal, pierres précieuses, émail ou ivoire. La forme la plus courante était celle de petits panneaux de bois peints qui pouvaient être transportés ou accrochés aux murs. Ces panneaux étaient réalisés à l'aide de la technique de peinture à l'encaustique, qui consiste à mélanger des pigments de couleur à de la cire et à les brûler dans le bois sous forme d'incrustation.
Le sujet des icônes est généralement représenté de face, avec soit la figure entière, soit la tête et les épaules seulement. Elles fixent directement le spectateur car elles sont conçues pour faciliter la communication avec le divin. Les figures sont souvent entourées d'un halo lumineux ou d'une auréole pour souligner leur sainteté. Plus rarement, les icônes peuvent être composées d'une scène narrative. L'approche artistique des icônes est restée remarquablement stable au fil des siècles, ce qui n'a rien d'étonnant puisque leurs sujets étaient censés présenter une qualité intemporelle et inculquer une révérence à des fidèles de génération en génération.
Certaines des icônes byzantines les plus anciennes se trouvent au monastère de Sainte Catherine sur le mont Sinaï. Datant du 6e siècle et épargnées par la vague d'iconoclasme qui se répandit dans l'Empire byzantin au cours des 8e et 9e siècles, les plus belles montrent le Christ Pantokrator et la Vierge à l'Enfant. L'image du Pantokrator - où le Christ, dans la pose classique de face, tient un évangéliaire dans la main gauche et donne une bénédiction de la main droite - fut probablement offerte par Justinien Ier (r. de 527 à 565) pour marquer la fondation du monastère.
Au XIIe siècle, les peintres réalisaient des portraits beaucoup plus intimes, avec plus d'expression et d'individualité. L'icône connue sous le nom de Vierge de Vladimir, aujourd'hui conservée à la Galerie Tretyakov de Moscou, a été peinte à Constantinople vers 1125 et constitue un excellent exemple de ce nouveau style avec sa représentation tendre de l'enfant pressant sa joue contre sa mère.
Mosaïques
La majorité des mosaïques murales et de plafond qui subsistent représentent des sujets religieux et se trouvent dans de nombreuses églises byzantines. L'une de leurs caractéristiques est l'utilisation de carreaux d'or pour créer un fond chatoyant aux figures du Christ, de la Vierge Marie et des saints. Comme dans le cas des icônes et des peintures, le portrait suit certaines conventions telles que la vue de face, le halo et l'absence générale de mouvement suggéré. La basilique Sainte-Sophie de Constantinople (Istanbul) contient les exemples les plus célèbres de mosaïques de ce type, tandis que l'un des portraits les plus inhabituellement frappants est celui de Jésus-Christ dans le dôme de Daphni en Grèce. Réalisé vers 1100, il montre le Christ avec une expression plutôt féroce qui contraste avec la représentation habituelle sans expression.
Les mosaïques du Grand Palais de Constantinople, qui datent du VIe siècle, sont un mélange intéressant de scènes de la vie quotidienne (en particulier la chasse) avec des dieux païens et des créatures mythiques, ce qui montre, une fois de plus, que les thèmes païens n'ont pas été totalement remplacés par des thèmes chrétiens dans l'art byzantin. Les empereurs et leurs épouses constituaient un autre sujet séculaire pour les mosaïstes, bien que ceux-ci soient souvent représentés dans leur rôle de chef de l'Église orientale. Certaines des mosaïques les plus célèbres sont celles de l'église de San Vitale à Ravenne, en Italie, qui datent des années 540 de notre ère. Deux panneaux étincelants montrent l'empereur Justinien Ier et sa compagne l'impératrice Théodora avec leurs entourages respectifs.
Les mosaïstes byzantins étaient si célèbres pour leur travail que le califat arabe des Omeyyades (661-750) les employa pour décorer le Dôme du Rocher à Jérusalem et la Grande Mosquée de Damas. Enfin, tout comme en peinture, aux 13e et 14e siècles, les sujets des mosaïques deviennent plus naturels, expressifs et individualisés. On trouve d'excellents exemples de ce style dans les mosaïques de l'église du Sauveur, à Chora, à Constantinople.
Sculpture
La sculpture réaliste de portraits est une caractéristique de l'art romain tardif, et cette tendance se poursuit au début de Byzance. L'Hippodrome de Constantinople était connu pour ses sculptures en bronze et en marbre représentant des empereurs et des charretiers populaires, par exemple. L'ivoire était également utilisé pour la sculpture de figures, bien qu'il n'en subsiste qu'un seul exemple isolé, la Vierge à l'Enfant, qui se trouve actuellement au Victoria and Albert Museum de Londres. Les sarcophages en marbre et en calcaire constituaient un autre débouché pour l'art du sculpteur. Après le VIe siècle, cependant, les portraits tridimensionnels sont rares, même pour les empereurs, et la sculpture est loin d'avoir atteint la popularité qu'elle avait dans l'Antiquité.
Arts mineurs
Les artistes byzantins étaient des orfèvres accomplis, tandis que l'émaillage était un autre domaine de haute technicité. Le calice du Trésor de Saint-Marc, à Venise, datant de 1070 environ, est un superbe exemple de l'utilisation combinée de ces deux compétences. Réalisé avec un corps en pierre semi-précieuse et une tige en or, le calice est décoré de plaques d'émail. Les émaux cloisonnés (objets comportant de multiples compartiments bordés de métal et remplis d'émail vitreux) étaient extrêmement populaires, une technique probablement acquise en Italie au IXe siècle. Les assiettes en argent estampillées d'images chrétiennes étaient produites en grand nombre et utilisées comme service de table domestique. Le dernier usage des métaux est la frappe de monnaie, qui était un support pour les portraits impériaux et, à partir du 8e siècle, pour les images de Jésus-Christ.
Les bibles étaient fabriquées avec un texte magnifiquement écrit à l'encre d'or et d'argent sur des pages teintées de pourpre tyrienne et magnifiquement illustrées. L'un des meilleurs exemples de manuscrit illustré qui nous soit parvenu est celui des Homélies de saint Grégoire de Nazianze, écrites entre 867 et 886 et conservées à la Bibliothèque nationale de Paris. Les livres, en général, étaient souvent dotés de couvertures exquises en or, argent, pierres semi-précieuses et émaux. Les reliquaires - récipients pour les reliques sacrées - étaient une autre voie pour les arts décoratifs.
Les objets portatifs étaient très souvent décorés d'images chrétiennes, notamment des objets de la vie quotidienne tels que des boîtes à bijoux, des ivoires, des pièces de joaillerie et des jetons de pèlerins. Les objets en ivoire, tels que les panneaux et les boîtes, étaient une spécialité d'Alexandrie. Les panneaux étaient utilisés pour décorer presque tout, mais surtout les meubles. L'un des exemples les plus célèbres est le trône de Maximien, archevêque de Ravenne (545-553), qui est recouvert de panneaux d'ivoire représentant des scènes de la vie de Joseph, de Jésus-Christ et des évangélistes. Les textiles - en laine, lin, coton et soie - étaient un autre moyen d'expression artistique, les motifs étant tissés dans le tissu ou imprimés en trempant le tissu dans des teintures, certaines parties du tissu étant recouvertes d'une résistance pour créer le motif.
Enfin, la poterie byzantine a largement échappé à l'attention du public, mais les potiers maîtrisaient des techniques telles que la polychromie (scènes colorées peintes sur un fond blanc, puis recouvertes d'une glaçure transparente), une technique transmise à l'Italie au IXe siècle. Les motifs étaient parfois incisés et recouverts d'une glaçure colorée, comme dans l'assiette fine des 13e et 14e siècles représentant deux colombes, aujourd'hui conservée dans la collection David Talbot Rice de l'université d'Édimbourg. Les formes courantes sont les assiettes, les plats, les bols et les tasses à anse unique. Les carreaux étaient souvent peints de représentations de personnages sacrés et d'empereurs, parfois plusieurs carreaux formant une image composite.
