Préraphaélites: Renaissance moderne (Preraffaelliti. Rinascimento moderno) est la première exposition multidisciplinaire en Italie à examiner l'impact profond de l'art de la Renaissance italienne sur le mouvement préraphaélite, qui s'épanouit dans la Grande-Bretagne victorienne et édouardienne (vers 1840-1920).
Dans les salles sacrées du musée San Domenico, un couvent dominicain du XIIIe siècle restauré à Forlì, en Italie, sont exposées plus de 300 œuvres d'art qui juxtaposent et mettent en lumière la créativité révolutionnaire et l'intensité de deux époques artistiques importantes. Dans cet entretien exclusif, James Blake Wiener s'entretient avec M. Peter Trippi, co-commissaire de l'exposition et spécialiste de l'art victorien, au sujet de l'exposition.
JBW : Peter, merci beaucoup de m'avoir parlé et de nous faire découvrir une exposition des plus magnifiques.
J'ai toujours considéré les artistes préraphaélites comme des rebelles et des innovateurs. Leur rejet de la complaisance victorienne et du matérialisme industriel, tel qu'il se reflète dans leurs œuvres, a choqué une partie du public britannique. En se tournant vers le passé lointain pour trouver une vision plus naturelle, les artistes préraphaélites ont embrassé ce qui était ordinaire tout en appliquant l'innovation à la technique et au traitement de la forme de manière inédite.
Qu'est-ce qui a rendu la révolte de la Confrérie préraphaélite si durable et pourtant si profonde dans son impact immédiat?
PT : Les premières peintures exposées par les membres de la Confrérie préraphaélite ont électrisé leurs contemporains à la fin des années 1840 et au début des années 1850 pour plusieurs raisons. D'un point de vue visuel, ils étaient en complet décalage avec tout ce qui les entourait lors des grandes expositions londoniennes surpeuplées: leurs couleurs éclatantes tranchaient avec les bruns et les gris ternes utilisés par la plupart des artistes de l'époque; leur dessin et leur maniement de la peinture étaient précis plutôt que "baveux" (terme qu'ils utilisaient pour critiquer leurs collègues plus âgés); leurs compositions étaient volontairement naïves et parfois même choquantes, ignorant les conventions postraphaélites polies que la Royal Academy promouvait; et ils dépeignaient des récits d'une hauteur de vue inattendue (comme l'Annonciation à la Vierge Marie) ou d'une passion effroyable (comme la préparation et les suites du meurtre de Lorenzo dans le poème romantique de John Keats, Isabella and the Pot of Basil). Les spectateurs voyaient bien qu'il s'agissait de jeunes hommes qui avaient du talent et quelque chose de nouveau à dire, mais ils ne savaient pas trop quoi en faire. Ce n'est qu'en 1851, lorsque le prestigieux critique John Ruskin prit leur défense, que le public britannique commença à accepter ces innovations.
La force persistante de ces innovations a été démontrée en 1986, alors que j'étais assis dans un amphithéâtre d'histoire de l'art à l'université de St Andrews, en Écosse. En tant qu'étudiant américain participant à un programme d'échange, je n'avais jamais entendu parler des préraphaélites (qui étaient peu connus aux États-Unis à l'époque). Mais je me suis redressé sur ma chaise lorsque leurs images brillamment colorées, bizarrement composées et souvent érotiques sont apparues à l'écran. 175 ans après son lancement, le pouvoir de fascination de la Confrérie préraphaélite est toujours évident. Une fois qu'ils les regardent, les gens ne peuvent plus les quitter des yeux.
JBW : Parmi les points forts de l'exposition figurent des peintures et des dessins célèbres de grands maîtres italiens, dont Botticelli, Lippi, Verrocchio, Michel-Ange, Véronèse, Titien et même Guido Reni. Ces œuvres sont juxtaposées à des œuvres majeures d'artistes britanniques tels que Dante Gabriel Rossetti, John Everett Millais, William Holman Hunt, John Ruskin et J. W. Waterhouse, entre autres. L'association des antécédents italiens de la Renaissance et des chefs-d'œuvre préraphaélites offre aux visiteurs une rare occasion de comparer et de contraster dans le temps et dans l'espace.
Quelles nouvelles perspectives le visiteur peut-il découvrir sur les préraphaélites grâce à cette passionnante association?
PT : L'exposition de Forlí a une touche de légèreté; elle est presque poétique dans la façon dont elle permet aux maîtres anciens italiens et à leurs admirateurs britanniques de dialoguer dans les mêmes salles, sans chercher à montrer des influences directes ou des répliques. La grande salle des peintures de maturité de Dante Gabriel Rossetti en est un excellent exemple. La plupart d'entre elles représentent des femmes dans des portraits en buste, comme si elles étaient assises devant une fenêtre. Ces images (de modèles tels que Jane Morris et Fanny Cornforth) sont devenues célèbres dans le monde entier, mais jamais auparavant nous ne les avions vues accrochées côte à côte, littéralement intercalées, avec les madones, les femmes de la noblesse florentine et les courtisanes vénitiennes auxquelles Rossetti répondait. Ce n'est que dans un pays riche en œuvres d'art comme l'Italie qu'un musée peut faire valoir ce point de vue de manière aussi visible. Au Royaume-Uni, par exemple, il n'y a tout simplement pas assez de prototypes italiens disponibles pour les prêter à une exposition sur l'art britannique du XIXe siècle. Ma co-commissaire Liz Prettejohn et moi-même savions que cette occasion ne se représenterait peut-être jamais et nous l'avons saisie. Une fois que les visiteurs auront quitté la salle Rossetti, ils ne verront plus jamais la fameuse femme à la fenêtre de la même manière ; tout à coup, son histoire est devenue claire.
JBW : Outre les peintures et les dessins, des sculptures, des gravures et des photographies, des meubles, des céramiques, du verre, des objets en métal, des tapisseries, des papiers peints, des livres illustrés et des bijoux sont également exposés dans l'exposition Préraphaélites: Renaissance moderne.
De nombreux artistes préraphaélites pensaient que la manière dont l'art était produit pouvait façonner des valeurs culturelles plus larges. Cela se reflète-t-il dans l'exposition, et si oui, comment?
PT : Notre équipe de conservateurs souhaitait montrer comment les idées novatrices des préraphaélites sur le pouvoir et le romantisme de l'art de la Renaissance italienne étaient transmises non seulement par les "beaux-arts" (peintures, sculptures, dessins et gravures), mais aussi par les arts appliqués (décoratifs). Charlotte Gere, spécialiste londonienne des arts décoratifs, a été invitée à rejoindre l'équipe. Elle a sélectionné la plupart de ces œuvres d'art, provenant principalement du Victoria and Albert Museum, du Fitzwilliam Museum et du British Museum, mais aussi d'autres collections britanniques. L'un de ses objectifs était de montrer que la "deuxième génération" de préraphaélites - en particulier Edward Burne-Jones et William Morris - était déterminée à introduire son esthétique dans des environnements immersifs allant des églises aux salles à manger du Victoria and Albert Museum. Ils ont également créé des objets sur tous les supports possibles, que les particuliers pouvaient acheter et avec lesquels ils pouvaient vivre, souvent à un prix élevé, mais pas toujours. En 1870, leur vision du monde se transforma en mouvement esthétique (le "culte de la beauté"), qui eut un impact sur tous les aspects de la culture visuelle au Royaume-Uni et, par extension, dans son empire et aux États-Unis. Les exemples les plus spectaculaires de décoration immersive de notre exposition sont les immenses tapisseries du Saint Graal conçues dans les années 1890 par Edward Burne-Jones et tissées à la main par l'équipe de William Morris pour le salon baronnial d'un riche collectionneur près de Londres.
JBW : Préraphaélites: Renaissance moderne explore en outre les contributions importantes et souvent méconnues de femmes artistes accomplies au mouvement préraphaélite.
Que pouvez-vous nous dire sur ces talents victoriens et comment l'exposition les différencie-t-elle de leurs collègues masculins?
PT : Nous avons le plaisir d'avoir 15 femmes artistes représentées dans notre exposition à travers 26 œuvres différentes. Par ordre d'apparition, il s'agit d'Elizabeth Siddal, Christina Rossetti, Maria Rossetti, Eliza Jameson Strutt, Evelyn De Morgan, Christiana Jane Herringham, Constance Phillott, Maria Cassavetti Zambaco, Marie Spartali Stillman, Julia Margaret Cameron, Beatrice Parsons, Marianne Stokes, Phoebe Anna Traquair, Eleanor Fortescue-Brickdale et May Cooksey. Au cours du dernier quart de siècle, les chercheurs ont prouvé que les femmes étaient pleinement impliquées dans le mouvement préraphaélite tel qu'il a évolué au fil du temps, mais leurs histoires ont généralement été ignorées, voire effacées par les générations suivantes. Cette injustice n'est certainement pas propre à l'histoire de l'art, mais il est temps d'y remédier, et nous sommes ravis qu'un si grand nombre de prêts pertinents aient été approuvés.
Certaines de ces femmes ont fait l'objet d'études approfondies (comme l'épouse et collaboratrice de Dante Gabriel Rossetti, Elizabeth Siddal), tandis que d'autres doivent encore être étudiées (comme l'énigmatique May Cooksey). Nous les avons dispersées dans l'exposition plutôt que de les placer dans un "ghetto" féminin, et nous sommes particulièrement fiers de présenter six exemples majeurs d'œuvres de maturité d'Evelyn De Morgan. Ses parents voulaient qu'elle épouse un homme riche et fonde une famille, mais avec l'aide de son oncle artiste J. R. Spencer Stanhope (également présent dans notre exposition), elle a suivi une formation artistique formelle et a fini par exposer ses grandes toiles symbolistes à la prestigieuse Grosvenor Gallery de Londres, aux côtés de collègues masculins étoilés comme Edward Burne-Jones. Je dirais qu'elle a surpassé son oncle en qualité et en ambition.
JBW : J'ai été intrigué d'apprendre qu'au fil du temps, les préraphaélites et leurs admirateurs ont porté leur attention sur d'autres périodes de l'art italien, notamment l'art vénitien du XVIe siècle.
Pourriez-vous nous en dire plus sur ce changement d'orientation et sur la manière dont il est mis en évidence dans l'exposition?
PT: Étant donné que la période que nous étudions est très longue (des années 1840 aux années 1920), il est inévitable que les artistes britanniques modifient au cours du temps leurs prédilections pour l'art italien. Au début, les frères préraphaélites avaient peu d'œuvres d'art italiennes originales à étudier à Londres, ils consultaient donc des estampes et des livres illustrés. L'un de leurs héros était Fra Angelico, non seulement pour ses compositions et son traitement apparemment naïfs (naïfs par rapport à Raphaël), mais aussi parce qu'il était moine - un homme de foi qui exprimait sa dévotion par l'art, ce qui, selon les frères, faisait défaut dans l'art britannique des années 1840. Notre co-commissaire Cristina Acidini (ancienne directrice des musées de Florence) a sélectionné un superbe Angelico, qui est désormais exposé à l'une des extrémités de l'immense église qui sert de première galerie à notre exposition. À l'autre extrémité, elle a placé la célèbre Pallas et le Centaure de Botticelli de manière à ce qu'ils se fassent face. C'est une juxtaposition géniale et très poétique. En 1848, lorsque la Confrérie fut créée, personne ne parlait de Botticelli. Dans les années 1870, grâce en grande partie à l'intérêt que lui portaient les chercheurs et collectionneurs britanniques, Botticelli fit fureur et influença particulièrement Edward Burne-Jones, dont les tapisseries du Saint Graal sont représentées juste après Pallas et le Centaure.
L'exposition comporte de nombreux moments de transition de ce type. La galerie consacrée à Frederic Leighton en est un exemple clé, avec l'insertion de Lotto, Veronese et Reni - un trio disparate de héros! Encore une fois, une telle liste de prêts ne pourrait se faire que dans un pays riche en art comme l'Italie. Aucun musée britannique ou américain ne pourrait fournir ces prototypes en telle quantité ou qualité.
JBW : On peut dire que le couvent lui-même est une autre vedette de l'exposition.
Comment a-t-il été choisi pour accueillir Préraphaélites: Renaissance moderne, et pourquoi est-il le lieu idéal pour présenter les chefs-d'œuvre des préraphaélites et de la Renaissance?
PT : Ce n'est qu'en 2021 que le directeur, M. Gianfranco Brunelli, a conçu ce thème comme une extension logique de la série de superbes expositions de prêts qu'il a organisées au Museo San Domenico. (La plupart d'entre elles se sont concentrées sur l'art italien et continental, y compris sur des maîtres spécifiques et des thèmes tels que Marie-Madeleine. Cette exposition est la première à englober l'art britannique). Il a fait appel à Cristina Acidini (voir ci-dessus) et à Francesco Parisi (un chercheur indépendant basé à Rome), puis à Liz Prettejohn et à moi-même. En 2022, nous avons commencé à demander des prêts à des musées et à des particuliers du monde entier et, en février 2024, nous inaugurions l'exposition! C'est un processus de développement relativement rapide, et je pense que l'une des raisons pour lesquelles il a si bien fonctionné est que de nombreux prêteurs étaient intrigués par l'idée que leurs œuvres d'art fabriquées en Grande-Bretagne et inspirées de l'Italie soient exposées en Italie à un public italien moderne.
Ce thème a déjà été abordé dans quelques expositions (Londres, San Francisco, etc.), mais avec seulement quelques prototypes de la Renaissance, jamais autant qu'aujourd'hui. En outre, le fait que le Museo San Domenico soit un monastère médiéval rénové ajoute une force visuelle et une signification à l'expérience du visiteur, ce qui est particulièrement remarquable dans l'ancien réfectoire aujourd'hui consacré à Edward Burne-Jones. Dans nombre de ses tableaux, on voit des feuillages enroulés qu'il a empruntés à l'art de la Renaissance, et ces mêmes formes enroulées sont peintes au Moyen Âge sur le plafond situé au-dessus. Les murs extérieurs sont tapissés d'œuvres de Burne-Jones, tandis que le centre de la pièce présente des prototypes majeurs de précurseurs tels que Bellini, Mantegna et Michel-Ange.
JBW : De nombreux lecteurs conviendront avec moi que les artistes préraphaélites sont vraiment fascinants en raison de l'exubérance, du naturalisme et de la luminosité que l'on retrouve dans leurs œuvres. L'histoire d'amour des préraphaélites avec l'art de la Renaissance italienne leur a permis d'innover dans la création artistique.
Quel est donc l'héritage des préraphaélites? Par ailleurs, pourquoi croyez-vous que les visiteurs viennent voir cette exposition?
PT : Je pense que de nombreux musées sous-estiment aujourd'hui la capacité des visiteurs à relier les points visuels par eux-mêmes. Les arguments des conservateurs nous sont souvent servis à la petite cuillère parce que notre propre connaissance de l'histoire de l'art est faible, et ce n'est pas grave parce qu'il vaut mieux agir de la sorte plutôt que de paraître exclusif ou intimidant.. En Italie, cependant, tous les jeunes enfants des écoles primaires publiques et privées reçoivent un enseignement d'histoire de l'art et d'arts plastiques (et ce jusqu'à l'école secondaire). Et, bien sûr, ils sont littéralement entourés par l'art de la Renaissance italienne, qu'ils voient non seulement à l'intérieur des églises et des musées, mais aussi dans les espaces publics tels que les piazzas. Cela signifie que les visiteurs de Forlí (dont 95 % sont italiens) sont déjà familiarisés avec l'art de la Renaissance italienne exposé, et donc désireux d'en savoir plus sur les artistes britanniques qui l'ont vénéré et l'ont adapté à leurs propres fins.
Les réactions que nous recevons (par l'intermédiaire des médias italiens et des conversations qui ont lieu dans les galeries de l'exposition) sont à la fois surprenantes (par exemple, "Comment se fait-il que nous n'ayons jamais entendu parler de ces formidables artistes britanniques?") et empreintes de respect mutuel: cette exposition traite de l'amour et de l'admiration profonds que les artistes britanniques éprouvaient pour l'Italie et, dans la dernière salle, nous montrons même des exemples de la manière dont les artistes italiens de la fin du XIXe siècle intégrèrent les approches britanniques dans leur propre travail.
Nous espérons que tous nos visiteurs choisiront d'en savoir plus (peut-être en visitant les grandes collections d'art préraphaélite dans des lieux comme la Tate Britain et la Birmingham Museum & Art Gallery), et qu'ils verront en fin de compte comment l'imagerie et les idées voyagent à travers des époques et des lieux apparemment disparates. Les artistes jouent un rôle particulier dans la société en transcendant les frontières superficielles et en regardant - en regardant vraiment - les créations de leurs collègues avec respect et perspicacité.
JBW : Peter, au nom de World History Encyclopedia, je vous remercie infiniment d'avoir partagé vos connaissances avec nous! Je vous remercie vivement pour votre temps, votre disponibilité et votre expertise.
PT : Merci d'avoir pris le temps de poser ces importantes questions!
Preraffaelliti. Rinascimento moderno est exposée au musée San Domenico, Piazza Guido da Montefeltro, à Forlì, en Italie, jusqu'au 30 juin 2024.
Peter Trippi est rédacteur en chef de Fine Art Connoisseur, le magazine national qui s'adresse aux collectionneurs d'art réaliste contemporain et historique, et président de Projects in 19th-Century Art, une société qu'il a créée pour poursuivre des activités de recherche, d'écriture et de conservation. Basé à New York, Peter a récemment achevé un mandat de six ans en tant que président de la Foundation for Advancement in Conservation, qui soutient et sensibilise l'American Institute for Conservation, la principale société de professionnels de la conservation et de la préservation du pays. Peter a précédemment dirigé le Dahesh Museum of Art (New York), a dirigé les équipes de développement du Brooklyn Museum et du Baltimore Museum of Art, et a créé (avec le professeur Liz Prettejohn, de l'université de York) des expositions itinérantes internationales et des publications consacrées aux peintres britanniques du XIXe siècle J.W. Waterhouse et Lawrence Alma-Tadema. Leur dernier projet de conservation, l'exposition Preraffaelliti:Rinascimento moderno, est présentée à Forlí (près de Bologne, Italie) jusqu'au 30 juin. Elle est accompagnée d'un catalogue de 600 pages en italien.
