列奥纳多·达·芬奇（Leonardo da Vinci ，1452-1519 年）是意大利文艺复兴时期的艺术家、建筑师、工程师和科学家。他以善于通过各种媒介观察和捕捉自然、科学现象和人类情感而闻名于世。达. 芬奇的创新杰作展示了他对光线、透视和整体效果的精通。他最受欢迎的作品包括肖像画《蒙娜丽莎》和壁画《最后的晚餐》。
达. 芬奇被认为是历史上最伟大的思想家之一，从解剖学到机械学，他获取知识的方法涉及对任何特定学科的理论和实践的理解。简而言之，通过将工匠与学者的技能相结合，达. 芬奇的远见展示了一种全新方法的好处，即如何了解当今世界，以及如何为未来世界创造新和奇妙的事物。
早期生活
达. 芬奇出生于公元 1452 年 4 月 15 日，是佛罗伦萨附近芬奇镇一位律师的私生子。他从小就天赋异禀，尤其擅长音乐和绘画。大约公元 1464 年，他被送往安德烈亚.德尔.韦罗基奥（Andrea del Verrocchio，约公元 1435-1488 年）的工作室当学徒，开始了他的艺术家生涯。当时在该工作室学习的其他著名未来艺术家包括桑德罗.波提切利（Sandro Botticelli，约公元 1445-1510 年）和皮埃特罗.佩鲁吉诺（Pietro Perugino，约公元 1450-1523 年）。他在这里学习掌握素描和绘画技巧，以及最新的发展趋势，如在绘画中使用古典装饰细节。在韦罗基奥的《基督受洗》（约公元1470年，佛罗伦萨乌菲齐）中，年轻的达. 芬奇画了一个跪着的小天使，这可能是他对文艺复兴艺术的最初贡献之一。公元 1472 年，达. 芬奇完成了学徒生涯，成为韦罗基奥的带薪助手，并在佛罗伦萨画家行会注册为画师。
达. 芬奇在其职业生涯早期完善的其他技巧包括明暗对比（明暗对比的使用）和晕染法（浅色到深色的过渡）。前一种技法在约公元 1503 年的彩色炭笔插图《圣母子与圣安妮》（伦敦国家美术馆）及其约 1505 年的彩绘版本（巴黎卢浮宫）中尤为明显。约公元 1483 年的油画《岩间圣母》（卢浮宫）充分展示了晕染法的技法。他也是一位创新者。公元 1472 年的《生母领报》（乌菲兹美术馆）展示了他追随文艺复兴时期的一些趋势，例如玛利亚书中的经典细节，但也忽略了其他一些趋势，例如他明显摒弃了背景树木的对称性。
诺塞拉主教、艺术史学家、达. 芬奇的同时代人保罗.乔维奥（Paolo Giovio）在他的小传中对这位艺术家的个性作了如下概括：
他的性格非常和蔼可亲，给人留下深刻印象，为人慷慨大方，拥有最美丽的外表。他是一位出色的评论家，也是一切优雅和愉悦事物的创造者，尤其是在戏剧表演方面。他用自己的里拉琴伴奏唱歌，与当时所有的王公贵族都有很好的交情。(Woods, 269)
笔记和素描
达. 芬奇并不局限于艺术，他的兴趣非常广泛，几乎涵盖了物理世界的所有领域。他研究建筑学、工程学、几何学、透视学、力学和水力学，以了解事物是如何运作的，以及为什么它们会呈现出人眼所见的样子。他也没有忽略自然世界，他研究了解剖学、植物学、动物学和地质学。他一生都在笔记本上记录他的研究成果和新发明的想法。他设计的机器包括起重机、桨轮船、坦克、大炮、水下呼吸装置，甚至还有飞行装置。这些设计中唯一缺少的元素就是内燃机，当然这要到几个世纪后才能发明。这些书籍的注释中经常穿插草图，其中许多本身就是微型杰作。这些草图中最有名的也许就是维特鲁威人图（见下图）。
此外，达. 芬奇还写下了他对绘画的思考，以及他认为对自然效果的观察对艺术家很有用。正如他自己所说，"一个画家如果不是全能的，他是不会令人钦佩的"，尽管他认为掌握任何主题都需要时间，并指出急躁是愚蠢之母（Hale, 183）。这些笔记和论文无疑对他在自己的工作室中担任年轻艺术家的导师很有帮助。这些笔记和论文的一个奇特之处在于，许多都是以镜像字体书写的，即与正常笔迹相反的方向。
除了成堆的笔记本外，达. 芬奇还建立了一个令人印象深刻的个人图书馆，截至公元 1503 年，该图书馆共藏书 116 本，内容涵盖中世纪和文艺复兴时期的医学、宗教和数学等学科。藏书包括普林尼的《自然史》、托勒密一世的《地理学》和罗伯托.瓦尔图里奥的《论战争》等开创性著作。他对语言也很感兴趣，尤其是拉丁语，他试图自学拉丁语，以便阅读中世纪手稿的原文，在他的笔记本中可以找到长长的拉丁语单词表。
米兰
米兰公爵卢多维科.斯福尔扎（Ludovico Sforza，公元 1452-1508 年）对达. 芬奇的聘用进一步说明了他的多才多艺。达. 芬奇于公元 1482 年搬到米兰，一方面担任斯福尔扎的首席军事和海军工程师，另一方面又是绘画和雕塑大师，他还为斯福尔扎的庆典制作了独具匠心的自动装置，其中包括会移动的行星，里面有与行星同名的神。他还着手为该王朝的创始人弗朗西斯科. 斯福尔扎（Francesco Sforza，公元 1401-1466 年）制作了一尊巨大的青铜马头雕像，但该项目始终未能超越陶俑模型阶段–这绝不是他唯一没有完成的作品。现存的草图显示了雕像的大致形状，他还在尝试如何制作和运输巨大的青铜碎片，以便进行最终组装。
约公元 1490 年，达. 芬奇在他的《报银鼠的女子》（波兰克拉科夫国家博物馆）中绘制了卢多维科.斯福尔扎的情妇塞西莉亚.加勒拉尼（Cecilia Gallerani）。不过，他在米兰度过的 17 年中最伟大的作品是《最后的晚餐》壁画（见下文）。正是在这一时期，特别是公元 1490 年代，他开创了在处理过的纸张上用红色粉笔作画的新媒介。这些画作中有许多现存的例子，其中包括一幅著名的自画像，画中的他苍老而长须。这幅素描现藏于都灵皇家图书馆。
更多游历与法国
公元 1500 年，达. 芬奇访问了威尼斯。大约在这个时候，他绘制了希腊神话中《丽达与天鹅》的故事，虽然草图尚存，但现已失传。公元 1502 年，他在罗马工作，受政治家切萨雷. 博尔哈（Cesare Borgia，公元 1475-1507 年）之托，整理罗马的运河。他还绘制了城市和周边地区的地图，并规划了港口的改善工程。他最著名的地图之一是绘制于公元 1502 年的伊莫拉（Imola）地图，该地图以精确的比例从高处显示了每一个建筑，是第一幅此类地图。公元 1503 年，他回到佛罗伦萨，开始为该市市政厅的战斗场景壁画做提案。他为这幅作品创作的 "漫画 "现已失传，画的是公元1449年佛罗伦萨和米兰军队之间的安吉利战役（Battle of Anghiari）。公元16世纪初，他还完成了一幅他可能是偶然创作的画作–《蒙娜丽莎》肖像（见下文）。
公元 1517 年，达. 芬奇来到法国，他的技艺受到了法国弗朗西斯一世（公元 1515-1547 年）的赏识，弗朗西斯一世是文艺复兴时期艺术家和建筑师的著名赞助人。在法国国王的特别邀请下，他可能参与了弗朗西斯在卢瓦尔河畔的香波城堡（Chateau de Chambord）的最初设计阶段，香波城堡建于公元 1519 年至 1547 年。该城堡巧妙的双螺旋楼梯经常被认为是达. 芬奇设计的，即便缺乏确凿的证据。
达. 芬奇的最后一件艺术作品是约公元 1515 年创作的油画《施洗者圣约翰》（卢浮宫），尽管他在晚年似乎更专注于科学探索。公元 1519 年 5 月 2 日，达. 芬奇在他的法国故居克鲁城堡（Chateau Cloux）逝世，被安葬在昂布瓦兹城堡（Chateau d'Amboise）旁的圣.于贝尔教堂（Chapel of Saint Hubert）。
声誉与遗产
达. 芬奇逝世后，他留下的大量作品令历史学家和评论家震惊不已。文艺复兴时期的历史学家雅各布. 布克哈特（Jacob Burckhardt，公元 1818-1887 年）有一句名言："达. 芬奇自然的巨大形象永远只能朦胧而遥远的想象"（104）。达. 芬奇的艺术作品对文艺复兴时期的艺术家们影响深远，因为他的作品精通构图和光线、人物的对位姿势（即上半身和下半身不对称）以及构图的创造性和多样性。
然而，也可以说达. 芬奇作品中的某些元素是如此精妙绝伦，几乎没有艺术家能够模仿。就像今天一样，他的许多艺术作品虽然受到人们的推崇，但并非人人都能完全理解。然而，看得懂的人确实能够理解。他为《安吉里之战》（Battle of Anghiari）所作的作品被复制了几幅，对拉斐尔(公元1483-1520年)等天才艺术家产生了影响。拉斐尔(公元1483-1520年) 非常欣赏在时间静止的瞬间捕捉到的活动的躯体。这只是他影响的一个例子，数学家和艺术家卢卡.帕乔利（Luca Pacioli，约西元 1447-1517 年）将其称之为 "神圣的左手 "的一个作品（Campbell，387 页）。他的名声甚至远播君士坦丁堡，奥斯曼帝国苏丹巴耶济德二世（Bayezid II，公元 1481-1512 年）曾邀请他入宫，但未获成功。
达. 芬奇的笔记本直到公元 1570 年后才出版，其绘画理论和透视图对一般知识的追求都产生了影响。仅仅是他为某些主题（从胚胎到大教堂）绘制插图的方式，以及他对横截面、透视、精确比例和从不同视角重复主题的运用，都对建筑绘图和科学图表的创作产生了深远的影响。最重要的是，他证明了实践与理论是不能也不应该分开的。这位伟大的大师以自己的亲身经历证明，要全面掌握任何学科的知识，都需要将工匠的技能、艺术家的天赋和想象力以及学者的细致研究和推理结合起来。因此，许多学科，尤其是艺术、建筑、工程和科学，都发生了根本性的改变。
代表性作品
《蒙娜丽莎》
《蒙娜丽莎》（意大利语：La Gioconda）是达. 芬奇于约公元 1503 年至 1506 年间创作的一幅木板油画，画中是一位身份不明的女性。这幅画的尺寸为 98 x 53 厘米（38 x 21 英寸），画幅相对较小，这让习惯于观看这一标志性图像的现代观众感到惊讶。这幅画不仅仅是捕捉人物的外貌特征，而是试图捕捉人物在某一特定时刻的情绪和思想，也就是达. 芬奇所说的 "心灵的运动"（Campbell, 257）。其他效果还包括空中透视法的使用，如将色彩退缩到水景最远的背景中，以及从画作顶部到底部的色彩渐变差异。
这位女士随意的姿势和双手的位置，以头部为顶点，构成了文艺复兴时期许多艺术家在绘画中尝试的经典三角形。明暗色彩的巧妙运用，突出了椭圆形的脸庞和女士柔软的双手，而这些轮廓线则将凸线和凹线结合在一起，营造出一种柔美动人的错觉。最后，女主人公的四分之三视角又营造出一种运动的暗示，因为她似乎刚刚转过身来注视着观众。达. 芬奇只想展现一个活生生的人与观众亲密接触的画面，这一点从作品中没有任何可识别的标识，也完全没有珠宝或其他财富象征可以得到进一步证明，而在此之前，珠宝或其他财富象征在肖像画中都是非常典型的。这幅作品立即产生了巨大的影响，启发了年轻的拉斐尔等艺术家创作自己的肖像画，如Maddalena Strozzi 和 Baldassare Castiglione。达. 芬奇一定对《蒙娜丽莎》很满意，因为他生前从未将其分开过，这幅画如今是巴黎卢浮宫的镇馆之宝之一。
《最后的晚餐》
《最后的晚餐》（意大利语 Il Cenacolo）是达. 芬奇绘制在米兰多明我会修道院 Santa Maria delle Grazie 餐厅墙上的一幅耶稣基督和他的使徒们最后用餐的场景。这是装饰修道院食堂的传统主题，该作品很可能是受卢多维科.斯福尔扎委托创作的，壁画顶部出现了他的手臂。该作品完成于约公元 1498 年。壁画的成功之处在于每个使徒在听到其中一人即将背叛耶稣时所表现出的不同情绪反应。
与其他伟大的艺术作品一样，《最后的晚餐》也有不同的解读。例如，有些人认为抹大拉的马利亚（Mary Magdalene）就是坐在耶稣左边的年轻的福音书作者圣约翰。尽管外围人物及其含义引起了人们的浓厚兴趣，但这一场景的主角当然是耶稣，他以三角形的中心形式出现，背景的精确透视进一步引起了观众的注意，使人无法抗拒地将视线引向画面的中心。耶稣衣服颜色的明显区分，以及达. 芬奇将门徒分成四个不同的部分，每个部分的身体都形成一个近似的三角形，进一步重复了三角形的主题。最后，在门徒们的动作和喧闹声中，双手放在桌子上的耶稣一动不动，在愤怒和不理解的风暴中，他是一个冷静而明智的中心。
由于马康托尼奥.雷蒙迪（Marcantonio Raimondi，公元 1480-1534 年）将其雕刻成版画，并广泛分发给感兴趣的艺术家，该作品立即产生了巨大的影响。不幸的是，作品完成后不到十年就出了问题，油漆开始脱落。这是因为达. 芬奇曾尝试在石膏上使用油画颜料和蛋彩画颜料，而不是人们熟悉的、更持久的传统壁画方法，这种技术没有记录在案。从那时起，《最后的晚餐》的修复者就一直在质疑这种可疑的实验。壁画在近代也受到了影响。首先，墙上莫名其妙地开了一个门洞，侵入壁画底部。然后，在第二次世界大战期间，这座建筑被大火炸毁。幸运的是，壁画受到沙袋墙的保护，在轰炸中幸免于难，但在对建筑进行适当修缮之前，壁画一直暴露在风雨中。公元 21 世纪初，对壁画进行了全面修复，公众可以参观壁画，但参观人数有限，必须提前预约。
维特鲁威人
达. 芬奇在纸上用钢笔和墨水绘制的素描《维特鲁威人》虽然不是一件完整的艺术作品（或者说从未打算成为一件完整的艺术作品），但却声名远播，成为与他的名字联系最紧密的形像之一。该素描尺寸为 34 x 25 厘米（13.5 x 10 英寸），绘制于公元前 1492 年左右，现藏于威尼斯学院美术馆。这幅作品的名字来源于维特鲁威（约公元前 90 年-约公元前 20 年），他是著名的罗马建筑师，著有《论建筑》（De Architectura）一书，这是一部极具影响力的论文，将古代建筑和工程的历史与作者的个人经验和建议相结合。
维特鲁威的作品在文艺复兴时期很受欢迎，当时艺术家们都在重新审视古典世界，从中寻找创意和灵感。在一段特别的文字中，维特鲁威建议正确的建筑比例应从对人体比例的研究中得出，这篇文章描述了在一个圆圈和一个正方形内的人体。文艺复兴时期的一些艺术家和建筑师认为数学、人体和美之间存在着某种神秘的、甚至可能是神圣的关系，他们被这种想法所吸引，试图画出维特鲁威只用文字描述的东西。达. 芬奇的《维特鲁威人》就是这样一种尝试。这个人的肚脐是圆心，他的指尖和双脚触及圆周。第二个男性人物叠加在另一个人形上，被置于一个正方形中。这幅素描或许是对人类处于有序宇宙中心位置的一种隐喻，因此它已成为文艺复兴以及对宗教、科学和艺术之间确切关系的持续探索的一个典型象征。
